Colecciones Teatrales

"Pan Criollo" de César Tiempo; una diferencia pequeña de fechas y un prolongado olvido

2012-03-04T18:10:00.009-08:00

Dicen que fue este argentino nacido en la actual Ucrania, en 1906, que desde que tenía apenas un año de vida, se crió en el barrio de La Paternal, cuando aquello era una zona de conventillos y humildes casas bajas, con jardines o huertas al frente y gallineros atrás, quien una noche, en plena calle Corrientes, le presentó a su amigo Carlos Gardel a otro amigo de escenarios y poemas; don Federico García Lorca. Y fué él quien dejó para su vida privada el nombre con el que nació; Israel Zeitlein, para ser César Tiempo y también Clara Beter, cuando en 1926 decidió salir con su libro "Versos de una..." cuyos conmovedores poemas fueron poniendo luz, sobre la triste vida de las muchas mujeres explotadas, en los más de 800 prostíbulos habilitados en esos años en Buenos Aires, alcanzando a vender más de doscientos mil ejemplares en pocos meses.(En realidad lo que verdaderamente causó conmoción fue el oficio de la autora: prostituta. Una prostituta judeo-ucraniana que fue engañada y traída a Buenos Aires por una vasta red internacional de prostitución y que ahora escribía poemas para contarlo. Hubo luego una intensa búsqueda de la autora, lo que obligó a César Tiempo a salir del seudónimo lo que sumó más conmoción aún al saberse que era un hombre. Algunos se molestaron mucho, como Castelnuovo, que confesó que el autor del libro "no erauna prostituta sino un prostituto".)
De su carrera como dramaturgo, poeta y guionista de radio y de cine, se ha escrito mucho y merecidamente, es poco entonces lo que yo puedo aportar, pero lo hago porque viene a corregir un error poco importante quizás, pero muy común, ya que en varios registros (en los de la Biblioteca Nacional, inclusive) se cita el año 1938 como la fecha de estreno de su obra teatral más conocida, me refiero a "Pan Criollo" que llevara a escena con enorme éxito la "Compañia Muiño - Alippi" en el Teatro Nacional y en otras salas. Pués bien, la pieza de mi colección que a continuación publico, es un anuncio de la función de "Pan Criollo" del miércoles 20 de octubre de 1937 en el viejo Teatro Fenix del barrio de Flores. Aquí está:

Además este viejo anuncio nos permite conocer bien en detalle al numeroso elenco que integró, cuadro por cuadro, aquel éxito de César Tiempo, (algo que no se encuentra en ningún otro documento que yo conozca) por lo que me permito repetir ampliada por partes la imagen del anuncio y vemos allí otros nombres populares, como el de Francisco Alvarez haciendo cuatro roles diferentes a igual que "Pepita Battaglia" seudónimo usado por Nora Cullen que interpretaba a "una vecina" y a "una vendedora de fósforos" , y encontramos a Héctor Méndez y a otros en más de un rol.

"Pan Criollo" fue también un éxito editorial a partir de 1938 con esta primera edición, quizás de ahí la confusión de fechas, ya que toman la edición del libro como fecha de estreno:

En la década del 30 comenzó a escribir sus primeros guionesteatrales: “El teatro soy yo” (1933) estrenada por Mario Sofici en el TeatroSmart, “Alfarda” (1935) en el Teatro Argentino y “Pan criollo” (1937)representada en el Nacional. Otros libretos teatrales fueron: “Quiero vivir”(1941) estrenado por Camila Quiroga en el Teatro Argentino, “Zazá porteña”(1945) en el Teatro Casino, “La dama de las comedias” (1951) por Iris Marga enel Teatro San Martín, “El lustrador de manzanas” (1957) por Luis Arata e“Irigoyen” (1973).

Pero toda su obra literaria ha sido realmente enorme, como dramaturgo o poeta o guionista fue más que importante para nuestra cultura, no obstante, ninguna calle, ningún pasaje, ninguna plaza, ninguna biblioteca lleva su nombre en esta amada Ciudad de Buenos Aires... Equivocar una fecha de estreno es un error muy menor, pero la falta de un reconocido homenaje a su obra, es un error muy penoso.

César Tiempo

"Buenas Noches Buenos Aires" La Comedia Musical Porteña con Hugo del Carril, Virginia Luque, Mariano Mores, Año 1963

2012-02-25T21:53:00.011-08:00

Hugo del Carril Revista Radiolandia

A La Comedia Musical Porteña, ya le he dedicado en este blog un capítulo con Francisco Canaro (ver en el buscador de este blog) Ahora es el turno de Hugo del Carril, que tenía un propósito; abrir la Comedia Musical Porteña a los jóvenes de los años 60 y aunarlos con la música tanguera y del folklore tradicional. En Buenas Noches, Buenos Aires, con un enrome esfuerzo de producción para la época, Hugo del Carril llevó a escena su deseo.

Virginia Luque

Mariano Mores al piano

Beba Bidart

Susy Leiva

Imaginemos que hoy es viernes, viernes 18 de octubre de 1963, en el Astral se estrena "Buenas Noches, Buenos Aires" y del lado del río viene un vientito demasiado prepotente que trepa por Corrientes y obliga a un sesenton, tanguero y nostálgico, a sujetarse bien el "funyi" con una mano sobre su cabeza, para que no se le vuele el sombrero. Pero nuestro personaje imaginario sabe que igual tiene que apurar el paso y nos cuenta porque:

- No sea cosa que no haya más entradas en el Astral, o que me manden al "gallinero", no... Está bien que la sala es grande, dicen que 1400 espectadores, Qué se yo... pero más grande es el elenco; Fijate, vos; Hugo del Carril y nada menos que con Mariano Mores y "La gran morocha" Virginia Luque, sumale a eso la piba Susy Leiva, que me encanta... Y Beba Bidart, qué pedazo de artista! No, esto no me lo pierdo por nada...

Ahí está! Que "marquesina" se mandaron estos tipos... a todo trapo... ¡Mirá, está el pibe Néstor Fabían y Verdaguer también, ésta si que no la tenía,che... Qué papa!

Hum! Platea 200 mangos, saladita, pero bueno... ya nos vamos a arreglar, es que en el Odeón estan Troilo, Grela y Rivero, y habrá que aportar también allí... Un cafecito enfrente y a esperar que se haga la hora.
Veamos que dice el diario... Hablan macanas del gabinete del nuevo gobierno de Don Illia, una semanita hace que el tipo chapó la manija y los periodistas no lo dejan ni aceitar la máquina.. Y dale con el caso Penjerek, hace más de un año que desapareció la piba...

Cierro el diario y mejor miro la marquesina de enfrente... No lo puedo creer; mirá vos, donde llegó esta piba Susy Leiva; parece que fue ayer que la vi cantando en la peña "Achalay" de Panchito Cárdenas, ahí hacía más bien estilos y milongas camperas...

Hum, mirá el mozo! en lugar de venir a cobrarme, se está haciendo firmar un autógrafo en la servilleta... Estos pibes de ahora...

¡Pibe! Me cobras por favor...

Atendeme, ¿quien era el coso que te estaba firmando la servilleta?

- ¡Eh, ¿ no lo conoce? es Memmo Campione!

- ¿Campione de qué? de boxeo no es, si...

- ¡No, mi viejo! Usted se quedó en la década del 40; es Memmo, el baterista de Los Jets, debutan hoy, ahí, en el Astral, son los de "Pecosita" ¿no los conoce? ... Mire, hasta me regaló el long play...

El LP salió a la venta en Julio de 1963. Jorge Omar Vidal tuvoa su cargo la primera voz en "La Pecosita" (su primera grabación conel grupo, Reemplazando a Jackie que formó entonces "Jackie y los Ciclones"), "Ritmo Bonito", "Bienvenido Amor", "ElCamino de la Dicha" y "Limbo Rock"; Guillermo Fuertes cantó"El Twist del Tren", "Carita de Ángel" y "Yo teQuerré". En "Okey al Madison" cantaron en trío Jorge Omar Vidal, Guillermo Fuertes y Héctor “Memmo”Champione.

Los Jets fueron de los primeros en cantar temas de los Beatles y de

Chubby Checker en catellano

- Pero ¿Quienes son estos cosos de Los Jets, para estar ahí al lado de gigantes de la música como Hugo del Carril y Mariano Mores...? ¡¿ a quien le ganaron?!

- Ah, mire. ¿ve? me dejó tambien esta foto con Don Hugo del Carril, ¿qué le parece ahora?

Los Jets: Jorge Omar Vidal (guitarray voz), Guillermo Fuertes (guitarra y voz) , Héctor Ziblat (bajo) y Héctor “Memmo” Champione. (batería)

junto a Hugo del Carril y Victor Ayos

- Qué, que me parece? Que ahora los 200 mangos de la entrada son más saladitos todavía... Eso, me parece...

- No crea, vaya a verlo tranquilo, jefe, y a la salida vuelva, que el café se lo invito yo y me cuenta, de verdad, que le pareció el espectáculo...
- Trato hecho, voy, vengo y te cuento.

- Ya volví, pibe! Espectacular! Traete el cafecito que te cuento...

Aquí tenés el programa de mano, miralo tranquilo...

Te digo, de entrada te impactan con el telón de boca del escenario, es como una marquesina más...

Telón de boca de escenario

Arranca Mariano Mores con el sexteto y a modo de presentación con casi todo el elenco, bien arriba, como dicen... Después Verdaguer, que hace de entrevistador, con las modelos que van pasando... una más churra que la otra...
- Y Los Jets, ¿ le gustó?

- Beba Bidart bailando Taquito Militar!! Es que la Beba, canta bien, baila muy bien, actúa excelentemente bien... siempre pone todo... Ni te cuento lo que es Virginia Luque; esa morocha ya hizo historia, ¿ me entendés?, pibe... Y después, entrando por platea, Hugo del Carril, imaginate, yo sentado ahí, junto al pasillo y Don Hugo se para y canta al ladito mío, pibe, ! con el sexteto de Mores tocando en vivo.!

- Pero, dígame, ¿Los Jets? ¿Qué tal?

- ¿Sabés lo que no me gustó? Que no hubo intervalo... ¡ La cara de los chocolatineros ni te cuento! venden la mitad, los tipos... Y otra cosa que no me gustó, es que en la segunda entrada de Verdaguer, los músicos salían del pozo, iban y venían, a fumar, supongo... Verdaguer no sólo hace equilibrio con ese número de la escalera, tiene un dominio de la palabra, de cada matiz, del gesto justo y del minutaje escénico, estira,acorta, hace lo que quiere... Ah! las escenografías de este Mario Vanarelli, son muy ingeniosas, entran y salen y sin hacer ruido, porque viste que a veces meten un ruido que te la regalo,che... Y el Malambo, que bien que lo bailan, siempre levanta algo así que te llena de orgullo, que se yo, a mi me emociona, esa es la palabra, me emociona...

- Pero, ¿ y la gente joven, como Los Jets?

- ¡Ah, los pibes! Que golazo...! Néstor Fabian cuando canta "Llueve" se gana todos los aplausos, porque el pibe cuando quiere es un terciopelo y cuando quiere mete una voz varonil y te la da vuelta, este pibe Fabian, te da vuelta, me entendés?. Y la piba, Susy Leiva, tambien, con "Frente al mar" ¿Que te voy a contar? Y sí, che, la gente joven va a caminar bien...

- Sí, pero yo le preguntaba por Los Jets, porque Don Hugo del Carril estuvo aquí durante los ensayos y...

- ¿Don Hugo aquí?

- Sí, sentado ahí mismo donde está usted.

- ¡A la perinola! No me digá, que me llevo la silla para mi casa...!

- Me dijo que él quería que Buenas Noches, Buenos Aires, sea un poco toda la música de Buenos Aires, por eso el folklore de Victor Ayos y la música del twist, de la nueva ola, Los Jets, por ejemplo...

- Ah, no, yo a esos Jets, no los ví... Mucho barullo, sabés... y como no hubo intervalo, aproveché para ir al baño, che...

- ¿Me regala el programa?

- Sí, pero ¿ para qué lo querés?

- ¡Va a ser histórico! Dentro de 50 años van a hablar de este espectáculo donde estuvieron Los Jets.

- Mirá, dentro de 50 años van a hablar de este espectáculo, porque es verdad; va a ser de colección, che, pero disculpame... no creo que sea por Los Jets...

- Sí, va a ver como en el 2012, también por Los Jets van a recordar este espectáculo.

Luego de casi dos años en cartel, "Buenas Noches, Buenos Aires" fue filmada con dirección tambien de Hugo del Carril y a esa filmación pertenecen estos dos últimos videos rescatados de You Tube. Con la incorporación al elenco de "la nueva ola" más consagrada, con Palito Ortega y Violeta Rivas, entre otros, a ésta película se sumaron también estrellas del tango como Tito Lusiardo y Anibal Troilo y folkloristas de la talla de Ramona Galarza.Hugo del Carril cumplió así con el deseo de abrir las puertas de la Comedia Musical Porteña a las nuevas generaciones.

El legendario Instituto Di Tella visto por dentro; así lo recuerda Kado Kostzer

2012-02-19T06:55:00.003-08:00

Sergio y Kado

El material que publico en esta oportunidad me fue cedido desinteresadamente por Sergio García Ramírez y Kado Kostzer. A ellos muchas gracias, por su enorme generosidad y porque este blog, dedicado a brindar piezas para armar el rompecabezas de la historia del teatro en Argentina, no podía omitir al mítico Instituto Di Tella y gracias a ellos aquí está, así lo recuerda Kado Kostzer:

Exterior del Di Tella Florida 964

El Instituto Di Tella, con una sala para 244 espectadores y extensos salones para muestras plásticas, abrió sus puertas en 1965, en pleno gobierno de Arturo Illia, con Lutero, una obra del por aquella época inconformista, John Osborne. El 28 de junio de 1966 el presidente elegido democráticamente sería derrocado asumiendo el Tte. Gral. Onganía. Un mes después el gobierno de facto anularía la autonomía universitaria y tendría lugar La Noche de los Bastones Largos.

La dictadura militar decretó la intervención de las universidades nacionales, ordenando a la policía que reprimiera para expulsar a estudiantes y profesores. La destrucción alcanzó los laboratorios y bibliotecas de las altas casas de estudio y la adquisición más reciente y novedosa para la época: una computadora. A esto le siguió el éxodo de profesores e investigadores y la supresión de los centros de estudiantes. Una feroz persecución se desplegó hacia los militantes de izquierda en las facultades. Este hecho se conoció como "La Noche de los Bastones Largos". Fue el 29 de julio de 1966.

En sus poco más de cuatro años de actividad -y con una dictadura militar como marco- el Centro de Experimentación Audiovisual del Di Tella concentró, en cerca de cien espectáculos, las manifestaciones escénicas más innovadoras y eclécticas. Fue un verdadero baluarte de la resistencia cultural.

Su ubicación no podía ser más estratégica, Florida 936, dentro de la entonces llamada “manzana loca” (Florida, Paraguay, Maipú, M. T. de Alvear) y sus zonas de influencia en las que se hallaban sitios de reunión obligados como el Bar Moderno, la Galería del Este, el Florida Garden, el Augustus y numerosas galerías de arte.

La Manzana Loca

Estas pocas cuadras eran la debilidad de la Comisaría 15ª sita en Suipacha 1156. Sus agentes, con profunda vocación de peluqueros y modistos, salían a la caza de todo varón joven cuya cabellera pasara de los 2 cm que imponía la media americana y cuya vestimenta se apartara de lo establecido por las convenciones de elegancia y sobriedad argentinas. A pesar de métodos tan persuasivos como la doble cero los empecinados habitués de la zona se negaban sistemáticamente a seguir los dictámenes de la moda policial.

Kado en la sala del Di Tella

Mi desempeño en espectáculos del Di Tella nunca fue relevante, no fui autor, ni director. Sólamente -escapándome de mis estudios en la Facultad de Arquitectura- fui improvisado actor, aplicado asistente de dirección, esmerado diseñador de vestuario, fiel espectador y seguidor de lo que hacían grupos amigos y no tanto.
Mencionaré solo cinco espectáculos en los que tuve participación.

(Nota: No pasen por vista rápida los nombres que Kado menciona en los elencos, sobre algunos de ellos hago alguna referencia breve, pero van a descubrir otras sorpresas, como por ejemplo Roberto Plate, reconocido artista plástico, de quien se recuerda, de su paso por el Di Tella, la famosa instalación De Los Baños que tanto escándalo causó, o la de Jose Ignacio Pedroni, hijo del poeta, o la de Vicky Walsh, como actriz y cantante entre otros.)

ETCETERA ETCETERA

Guión y Dirección: Amanda Castillo

Porgrama de mano de Etcétera Etcétera

Con sensibilidad y predisposición, pero sin práctica previa, ni entrenamiento formal en ninguna disciplina del teatro, la mejor posibilidad para un autodidacta como yo, era el Centro de Experimentación Audiovisual del Di Tella. Un lugar que se autotitulaba “de experimentación” me protegería en mi afán de conocer el mundo del teatro por dentro y aprender en base al error o en este caso a la experimentación. Mientras ensayaba Libertad y otras intoxicaciones (donde sería actor) en el mismo Di Tella, y cursaba en la Facultad de Arquitectura, surgió la oportunidad de ser asistente de dirección de un espectáculo de sketches humorísticos que se estrenaría mucho antes; "Etcétera, etcétera".

Amanda Castillo

Su autora, directora y actriz, Amanda Castillo, recién llegada después de años de residencia en París, me dio la oportunidad de seguir el dificultoso armado de su puesta. Días antes del estreno llegaron en su rescate dos hombres de teatro de los que supe aprovechar sus aportes, por lo menos en el terreno práctico: el director Juan Silbert y el fabuloso escenógrafo Saulo Benavente, a la sazón primo de la novel directora.

Ficha técnica

ELENCO:
Horacio Borges, Jorge Bustamante, Amanda Castillo, Rubén Fraga, Chacho Ríos
Dirección de arte: María Julia Bertotto, Rolando Fabián
Dibujos: Jorge Sarudiansky (Jorge Sarudiansky, -"Saru", para los amigos- fue a lo largo de más de cuarenta años de creación uno de los grandes escenógrafos argentinos de la generación posterior a la de Saulo Benavente, salido del vivero del maestro Rodolfo Franco, responsable mayor, de la legendaria cátedra en la Escuela Superior de Bellas Artes)
Iluminación: Jorge Rubén Poggi
Movimiento escénico: Jorge Bustamante
Asistente de dirección: Kado Kostzer

Dirección: Amanda Castillo
Fecha de Estreno: 20 de marzo de 1967

Amanda Castillo

Elenco más Roberto Villanueva y Francisco Cortese

Los presos de Etcétera Etcétera

Elenco masculino de Etcétera Etcétera

Esto decía la crítica:

Aquí el reflejo de diario "La Nación"

Así lo vio Primera Plana

Y esto publicó el diario "La Razón"

Libertad y otras Intoxicaciones

Imagen de Kado utilizada para el programa de mano. Foto: Humberto Rivas

Diseño programa: Juan Carlos Distefano y/o Rubén Fontana

El poeta Mario Trejo, recién llegado de Europa y fascinado por las experiencias del Living Theatre quiso recrear -y lo logró- los ejercicios del hoy legendario elenco, muy famoso en los ‘60, conducido por Judith Malina y Julian Beck. Trejo denominó a su grupo porteño Teatro de la Tribu. Sus componentes: hippies de los hemisferios norte aterrizados en Buenos Aires, estudiantes, artistas plásticos, poetas, algún actor con experiencia, diletante y curioso, como yo.

El éxito fue rotundo. Críticas entusiastas y uno que otro palo. Salas repletas y dos temporadas en la que desfilaron por el escenario muchos oficiantes de esta ceremonia. Yo permanecí los dos años.

Kado

(The Living Theatre fue uno de los grupos de "teatro aleatorio" o "teatro vivo" más antiguo, creado en 1947 en Nueva York. Concebían el teatro como una forma de vida y los actores vivían en comunidad bajo principios libertarios y a menudo abordaron en sus trabajos temas “prohibidos” con mucho espacio para la improvisación, con la participación compulsiva del público y en lugares insólitos (como galpones industriales) o en la calle, en "happenings" buscando sobre todo la afectación inmediata del público. Se inspiró en el «teatro de la crueldad» de Artaud, y en el anarquismo. )

Mario Trejo

En Libertad y otras intoxicaciones, de Trejo, por primera vez se trata el tema de la tortura, el aborto y dos hombres y dos mujeres se besan en escena. A diferencia del Living Theatre, el lugar no era insólito, sino que era una sala teatral y no había ese espacio central para la improvisación .

Libertad y otras Intoxicaciones fue definida como "Ceremonia en tres actos de Mario Trejo oficiada por el Teatro de La Tribu"

Con: (elenco original)
Juliana Balint,
José Antonio Barzak,
Horacio Borges,
Rolf Brüning,
Rubén de León,
Mónica Douek,
Diego de Elizalde,
Lía de Elizalde,
Marta Esviza,
Kado Kostzer,
Manuel Merino Gutiérrez,
Oscar Novoa,
José Pedroni,
Roberto Plate,
Abel Sáenz Buhr,
Humphrey Trevelyan
Canto: Marta Lambertini Guitarra. Julio Martín Viera
Dirección: Mario Trejo
Otros intérpretes en reemplazos: Chacho Ríos, Marta Campana, Horacio Romeu, Phyllis Breman, Franco Salerno, Marta Strasnoy, Raúl Martínez, Fernando Levo, Mario Skubin, Laura Yusem, Carmen Miranda, Liliana Fernández Blanco, María Ester Álvarez, Mónica Varez, Raúl Orlando Santana, Susana Torres Molina.
Canto: Vicky Walsh
Fecha de estreno: 26 de abril de 1967

Parte del elenco

Ruben de Leon y Kado Kostzer

Kado en escena final

Una de las fotos más promocionadas de Kado en esta obra

Hippies, poetas y curiosos

Autocanibalismo

Y aquí lo que dijo entonces la prensa

Primera Plana

Confirmado

La Nación

La Razón

El Timón de Atenas de William Shakespeare

Programa de mano El Timón de Atenas.
Diseño programa: Juan Carlos Distefano y/o Rubén Fontana

Roberto Villanueva, director del Centro, ( a lo largo de su extensa y multipremiada carrera, Roberto Villanueva llevó a escena más de cien obras; siempre innovador, fue el primero en presentar a Beckett en Argentina.) preparaba su versión libre del clásico shakesperiano. Varios de los integrantes de Libertad… fuimos convocados (se podían hacer ambos espectáculos pues iban en horarios diferentes) En programa de mano reproducía la hipótesis de trabajo del director: “Al fin de los tiempos un grupo de sobrevivientes trata de reconstruir, con ruinas y memorias de nuestra civilización una ceremonia de religamento. El texto elegido para esta liturgia es Timón de Atenas de William Shakesperare”. Se anunciaban muchas innovaciones. Las voces de Timón y su oponente Alcibíades estarían previamente grabadas y saldrían a través de amplificadores ceñidos a los pechos de Mario Skubin y Roberto Plate designados para los roles. El amplio elenco solo incluía una mujer, personaje símbolo que entraba con un cordero en brazos (sólo lo hizo un par de funciones ante la queja de una sociedad protectora de animales) Un casi debutante recién llegado de Tandil, Víctor Laplace, interpretó a Apemanto. Como en todos los espectáculos del Di Tella los talentosos Humberto Rivas y Roberto Alvarado supieron captar en sus fotos el clima de ceremonial de la puesta y Juan Carlos Distéfano y Rubén Fontana diseñaron el programa.

Críticas altamente elogiosas y mucho público. Mi tarea como actor no distaba mucho a la que cumplía, en otros horarios, en Libertad…, simple oficiante. Comenzaba a darme cuenta que lo que menos me interesaba del teatro era estar sobre el escenario. Veía tanta gente tan capacitada que hasta sentía vergüenza en estar ocupando un lugar que no me correspondía.

Kado

Ficha Técnica

Elenco:
Juliana Balint,
Jorge Acquista, ,
Marcial Berro,
Horacio Borges,
Rubén de León,
Edgardo Di Angelo,
Hugo Galfredo,
Kado Kostzer,
Víctor A. Laplace,
Raúl Martínez,
Yoel Novoa,
Juan Carlos Ozzimo,
Horacio Pedrazzini,
Roberto Plate,
Osvaldo Rao,
Chacho Ríos,
Rodolfo Rivanera,
Horacio Romeu,
Mario Skubin
Banda sonora: Carlos Cutaia (Carlos Cutaia compuso diversas bandas sonoras para espectáculos de danza y teatro. Junto a Miguel Abuelo y Pomo Lorenzo formó El Huevo, un trío de rock-fusión. En 1972 fue convocado a participar de la banda Pescado Rabioso fundada por Luis Alberto Spinetta en la que tocaba el órgano y el piano. Luego en 1976 lo llamaron para tocar en el proyecto sinfónico de Charly García, La Máquina de Hacer Pájaros.)
Asistentes de dirección: Marcos Arocena y Carlos Cutaia
Adaptación libre y dirección: Roberto Villanueva
Fecha de estreno: 16 de noviembre de 1967

Programación del Di Tella a fines de 1967
Parte del ritual

Retrato de Kado utilizado en el hall de la sala

Horacio Romeu
La última cena
Timón - Mario Skubin
Alcibiades - Roberto Plate
Skubin crucificado

La voz de Timón salía por amplificadores

Momento de un ensayo

Imagen de Timón

Y estos fueron los comentarios de los medios:

Primera Plana por Ernesto Schoo

La Razón

Análisis

Opinión de Kive Staif

La Nación

“La reconstrucción de la Ópera de Viena precedida del proceso Godard / variaciones Wittgenstein, apuntes para un film de Mario Trejo”

Programa de mano de
“La reconstrucción de la Ópera de Viena precedida del proceso Godard / variaciones Wittgenstein, apuntes para un film de Mario Trejo”

El largo título precedente reemplazó, a escasos días del muchas veces postergado estreno, al sintético “La Situación es Delicada”, que Mario Trejo presentó ante gran expectativa general. Esta vez mi rol fue el de diseñador de vestuario. Espectáculo caótico en su estructura, en su proceso de ensayos, en su visión. Creo no conservar un libreto del mismo porque me gustaría reverlo con la distancia que me imponen cuarenta años. ¿Era tan malo como dijeron los críticos de la época? Su trama nos llevaba a una sociedad de sobrevivientes (¡otros y diferentes a los de Timón!) de una guerra nuclear donde se prohíbe reconstruir el pasado y mucho menos evocarlo. Idea más que interesante. Menos interesante fue que Trejo abundó en apuntes autobiográficos, carentes de interés para todo el que no fuera él mismo, y se excedió en la experimentación. Como capitán del barco, no supo que rumbo artístico tomar para capear el temporal que terminó hundiéndonos a todos. Sobre todo a él mismo que nunca volvió a concebir espectáculo alguno, por lo menos en Buenos Aires.

En escena los notorios talentos de Elisa H. Barbieri (hoy en España), Jorge Fiszson, Hugo Midón, Cristina Moix (lanzamiento cinematográfico de los ‘60) y Lorenzo Quinteros no fueron suficientes para revertir un material tan pretencioso como difuso. De todas formas Trejo será recordado por Libertad y otras intoxicaciones y más aún por su letra de Los Pájaros Perdidos, con música de Astor Piazzolla, cuya poesía de alto nivel contrasta por su delicadeza, con el barroquismo cursi de los engendros que Horacio Ferrer escribió para el genial compositor.

Kado

Ficha técnica:

Elisa H. Barbieri,
Jorge Fiszson,
Hugo Midón,
Cristina Moix,
Lorenzo Quinteros,
Jorge Riesgo,
Antonio Romeu,
Horacio Romeu.
Bailarina: Teresa Leyton
Banda sonora: Mariano Etkin
Vestuario: Kado Kostzer
Asistente de dirección: Jorge de Marco
Dirección: Mario Trejo
Fecha de estreno: 2 de junio de 1968

Vemos aquí algo del vestuario diseñado por Kado

Jorge Riesgo - Crisitna Moix

Y esto se dijo en algunos medios gráficos:

Análisis - Kive Staif

Revista 7 Días"

Revista Confirmado

Primera Plana - Ernesto Schoo

Ubú Encadenado (Ubu enchainé)

Autor: Alfred Jarry

(Ubú rey es una comedia satírica en la que se entremezclan referencias a 'Macbeth' con los excesos de un monarca tan tirano con nobles y plebeyos como cobarde es en la guerra. Su autor; Alfred Jarry, rompió con esta obra toda una tradición teatral, a partir de su estreno en aquella Paris de 1896. Contra todo pronóstico, el éxito es tal que Jarry escribe una segunda parte con el título de 'Ubu encadenado' (1900) Convirtiéndose, Alfred Jarry, con esto, en uno de los precursores más importantes del surrealismo, del dadaísmo y del teatro del absurdo. Renovó tanto la escritura dramática como los conceptos de puesta en escena, desde la iluminación, vestuarios, utilización de máscaras, hasta la gestualidad actoral y más.)

Traducción: Juan y Sylvia Andralis

ELENCO :
Lorenzo Amengual, Tommy Bar, Marcial Berro, Facundo Bo, Jorge Bonino, Amanda Castillo, Edgardo Di Angelo, Gioia Florentino, Jorge Fiszson, Kado Kostzer, Marilú Marini, Hugo Midón, Yoel Novoa, Lorenzo Quinteros, Alfredo Rodríguez Arias, Horacio Romeu, Juan Stoppani
Música original: Carlos Cutaia
Canción del descerebramiento: (Jarry – Cutaia) por Nacha Guevara
Ambientación, vestuario y accesorios: Juan Stoppani (Juan Stoppani es quizás el menos conocido de la troupe de artistas plásticos que dio vida al Instituto Di Tella con el sello inequívoco del lenguaje llamado “pop art lunfardo” o “le pop art de la banlieue” En su obra se evidencia su sensibilidad y atracción por la geometría y el color)
Realización banderas: Daniel Melgarejo
Dibujos: Lorenzo Amengual (Arquitecto, ilustrador, dibujante, Lorenzo Amengual es uno de los nombres menos conocidos y más respetados en el podio del arte gráfico argentino)
Asistentes de dirección: Marta Carliski y Kado Kostzer
Coreografía: Marilú Marini (su enorme carrera artística daría para una novela y tambien, por qué no? para una película documental)
Dirección: Roberto Villanueva
Instituto Torcuato Di Tella
Fecha de estreno: 12 de julio de 1968

La inclusión de Ubú encadenado en la programación del Di Tella se debió a los esfuerzos conjuntos de Roberto Villanueva y de Juan Andralis, un impresor griego exquisito y mundano. Ambos pensaban que nada mejor que un lugar que promovía las expresiones de vanguardia albergara la obra pionera.
En su paso por París, antes de recalar en Buenos Aires, Andralis había tenido contacto con los últimos sobrevivientes del movimiento surrealista, admiradores y herederos junto con los dadaístas de Jarry. Por lo tanto sabía muy bien de lo que se trataba. Junto a su joven esposa, Sylvia, tradujo el texto y también creo recordar hizo un aporte económico para solventar los gastos de producción.

Kado

Invitación

Elenco Ubu Encadenado

Elenco de Ubu Encadenado

Elenco Ubu Encadenado Foto tomada en la Av Costanera

SOBRE EL ESCENARIO
Villanueva había introducido en su versión un breve prólogo donde se sintetizaba Ubú rey, es decir cuando el personaje se proponía ocupar el trono de Polonia. Y a partir de ahí, previa canción con letra de Jarry y música de Cutaia, grabada por Nacha Guevara, se desarrollaban las aventuras que les deparaban al matrimonio Ubú su nueva vocación de esclavos.
Jarry aborrecía los decorados y la puesta del Di Tella fue fiel a esa premisa. Como objeto central se eligió un elástico de cama super reforzado (debía soportar al extenso elenco allí subido) que servía para todas las escenas: era cama, calabozo, trono, embarcación... (Idéntico recurso fue usado por el mismo Villanueva años después en su –muy sobrevalorada- puesta de la comedia Yo me bajo en la próxima ¿Y usted?) Otros elementos de utilería eran grilletes (en realidad flotadores de baño) con pesadas cadenas, un billete gigantesco pintado por Daniel Melgarejo y sobre el descomunal ciclorama, que servía como fondo al ancho y escasamente profundo escenario del Di Tella, se proyectaban dibujos debidos al agudo plumín de Lorenzo Amengual. El vestuario, concebido por Juan Stoppani, para la mayor parte de los personajes consistía en una especie de guardapolvo de loneta negra, zapatillas de basket (gentileza de Flecha) y bonete de celuloide transparente; la Madre Ubú lucía, cual grotesca Madame Butterfly, un kimono rojo; los turcos sendos caftanes blancos y el Padre Ubú la túnica con la espiral símbolo de la patafísica sobre su descomunal panza. Casi al final de la obra, provistos de palos (¿precursores de los piqueteros?) todos participábamos de una coreografía bastante marcial (cuyos pasos nunca me salían bien) Como broche de oro se producía una batalla de almohadas (que siempre me salía maravillosamente bien) y de la que el desprevenido público era divertida víctima.

Jorge Fitszson y Marilú Marini como el matrimonio UBU

Remando en la galera - Kado primero a la derecha

Elenco - Se destaca el vestuario de Stoppani

LOS ASES DEL DI TELLA

En Ubú Encadenado además de actor se me había confiado a mí la difícil tarea de ser asistente de dirección (había un segundo asistente pero era meramente ‘nominal’) Este rol me permitía recibir confidencias del director Villanueva que más de una vez manifestó que sus protagonistas ideales serían José Marrone y Leonor Rinaldi, populares cómicos de revista y sainete que el mismo Jarry habría aprobado calurosamente. Pero si bien en el Di Tella todas las audacias tenían cabida esa estaba fuera del alcance de la producción.
Era claro que Jorge Fiszson sería el Padre Ubú. Dos años antes en el Ubú Rey del Theatron, a pesar de su juventud (27 años), Fiszson había captado con inteligencia al personaje. Lo proveyó de la estupidez, la cobardía, la sordidez, la villanía, la lujuria, la suciedad y el pantagruelismo necesarios que le dan una dimensión única a este anti héroe, anti erudito y anti santo creado por Jarry. La Madre Ubú recayó en Marilú Marini, hasta entonces coreógrafa y bailarina, ansiosa e insegura por incursionar como actriz.
Para cubrir los demás roles todos los que frecuentábamos el Di Tella, actores, pintores, aficionados y curiosos, estábamos más que dispuestos a subir al escenario en tan importante proyecto. Ese mismo año, en un teatro de la calle Corrientes, Luis Sandrini y Daniel Tinayre presentaban una reposición de un viejo melodrama, El Proceso de Mary Duggan. El reparto estelar, al que los productores denominaron La Compañía de los Ases, estaba compuesto (en orden alfabético) por Olinda Bozán, Enrique Fava, Diana Maggi, Duilio Marzio, Malvina Pastorino, Francisco Petrone y Mecha Ortiz, además de otros ases menores y aprendices de ases. Un poco en broma un poco en serio el elenco de Ubú también era de Ases. ¡Los Ases del Di Tella! Los 17 (¡diecisiete!) actores fuimos elegidos por talento, notoriedad, belleza, personalidad o desparpajo. Lo que sí puedo asegurar es que ninguno de nosotros tenía real noción de la dimensión del texto que íbamos a encarar y de cómo se insertaba en la realidad argentina del momento. Un texto que hablaba de hombres libres y había dictadura; un texto que decía las “fuerzas armierdras” y había militares en el poder; un texto que ponía énfasis en los alcances de las expresiones más propias de cada individuo y había una policía guardiana de la “moral y las buenas costumbres” de la que fuimos víctimas frecuentes los actores de Ubú.
Más de uno, me incluyo, no poseía los recursos ni la preparación que hubiesen sido deseables. No obstante Villanueva quería reunir, de manera ecuménica, en Ubú a los actores, directores y miembros de los staffs creativos de espectáculos anteriores de la sala: Bonino aclara ciertas dudas, Asfixiones o enunciados, La Orestíada, Ostinato, Etcétera, etcétera, Danse Bouquet, La Fiesta, Drácula, Aventuras I y II, Love & Song, , Futura, Los Siameses, Libertad y otras intoxicaciones, La reconstrucción de la ópera de Viena, Apocaliptosis, Señor Frankenstein, Nacha de Noche y Timón de Atenas, la producción de Villanueva del año anterior. Fue precisamente esa extraña mezcla de corrientes estéticas y postulados, actores con formación, arquitectos y estudiantes de arquitectura, diletantes entusiastas, snobs recalcitrantes, excéntricos con desparpajo y atrevidos sin límites lo que complotó, no tanto contra la puesta en sí, sino con el buen desenvolvimiento de las representaciones. La idea era romántica, abarcativa y muy en el espíritu del autor pero demostró ser inapropiada en el terreno práctico. Demasiadas personalidades y egos exaltados. Demasiadas susceptibilidades y provocaciones. Demasiada juventud (edad promedio 22 años) e intolerancia por las diferencias.

Amanda Castillo, Lorenzo Quinteros, Horacio Romeu

Pantagruelico Padre Ubú

Los Hombres Libres y el Padre Ubú

Fotos: Humberto Rivas y Roberto Alvarado

LA OPINIÓN DE LOS CRÍTICOS
En las semanas siguientes al estreno, el viernes 12 de julio de 1968, Ubú encadenado recibió diez críticas elogiosas, (¡diez!, ¡incluida la del hoy indiferente al teatro, diario Clarín!) Algunas ostentaban las firmas de los más prestigiosos especialistas de la época, Jaime Potenze, Víctor Max Wullich, Kive Staiff, Dayed... Los más elogiados fueron Jorge Fiszson, Jorge Bonino, Hugo Midón y Lorenzo Amengual por sus actuaciones y Calos Cutaia por su música original, además del director Villanueva: “Esta obra difícil y quimérica, fue encarada llevando hasta sus últimas consecuencias el juego físico y formal que sugiere”, “Una experiencia ineludible”, “Una de las puestas más brillantes de que tenemos memoria sobre un escenario en bastante tiempo”, “Buena muestra de vanguardia teatral”, “Probablemente lo más logrado que ha presentado el Di Tella”, “La puesta sirve al libro y éste resplandece con una riqueza imaginativa y una lucidez en las cuales no han hecho mella setenta años”... Una sola crítica fue desfavorable: la del influyente Ernesto Schóó (precedida por un artículo rigurosamente documentado y elegantemente escrito sobre Jarry y su época), publicada en el no menos influyente semanario Primera Plana. Fue Schóó quién supo ver las consecuencias de la ecléctica elección de Villanueva: “Al forzar las situaciones, al intelectualizar el humor (la única solución escénica feliz es la duplicación del tío de Eleuteria), al exasperar las crispaciones, los chillidos y los correteos Ubú encadenado sufre un shock anafiláctico y se transforma, a lo sumo, en un catálogo de las manías y los tics que suelen hacer del Di Tella un santuario secreto, para iniciados”. Mucho de eso había.

CAE EL TELÓN
El frágil equilibrio de las relaciones del elenco (de que los enemigos estaban ‘afuera’ no teníamos aún total conciencia), finalmente se quebró durante una función al mes del debut. Al promediar la obra los que estábamos actuando vimos atónitos salir por el fondo de la sala, ya despojados del vestuario jarriano, a Rodríguez Arias, Stoppani y Bo, los Hombres Libres en la pieza. No se trataba de un ejercicio de la paradójica libertad que pregonaban los personajes de Ubú, sino que supongo habían dicho: “Hasta aquí llegamos”. Los actores más avezados, Fiszson, Midón y Quinteros, suplieron letra y acciones de los fugitivos para poder terminar con la representación. Durante semanas Roberto Villanueva se lamió sus heridas, con una copa en la mano en la barra del desaparecido Augustus, sin poder entender qué había pasado. Esa fue la última representación de Ubú y hasta el día de hoy nadie sabe o recuerda que provocó tan abrupta partida. Probablemente una gota que rebasó el vaso.

EL OCASO DEL DI TELLA
La era de esplendor del Di Tella estaba al comienzo de su final. Los factores que contribuyeron al triste ocaso fueron varios: los mejores artistas emprendieron el camino del exilio voluntario o no tanto, la prensa “cansada de tantas innovaciones” descalificaba o minimizaba la actividad del Centro, los creadores mismos comenzaron a pensar que la punzante ironía de sus obras debía dejar paso a formas de protesta más contundentes... Todo esto sumado a las dificultades financieras de la institución y a la presión de la dictadura de Onganía por cerrar ese “antro de subversión”. Para alivio del represor régimen militar a comienzos de 1970 el imaginario telón del Di Tella había caído definitivamente.El texto sobre Ubú Encadenado es un extracto de la conferencia Jarry en el Instituto Di Tella que di en el IV Congreso de Historia del Teatro Universal organizado por Jorge Dubatti. Centro Cultural de la Cooperación, 30 de agosto de 2007.
Kado

Es realmente intensa la carrera artística de Kado, rica en recuerdos y él lo relata con sencillez y sinceridad, por lo que no puedo dejar de recomendar a todos que vean su web:

www.serkateatro.com.ar

y traten de conseguir un ejemplar de su libro:

PERSONAJES (Por orden de aparición)

Gracias Kado por todo tu arte y por tu generosidad

Mariemma en Buenos Aires, año 1954

2012-02-04T11:03:00.000-08:00

Me quito el sombrero,

para arrodillarme a sus pies,

bailarina como Mariemma

nunca se volverán a ver,

quedara en la historia

como una de las grandes

que España ha tenido,

para el mejor siglo
de todos los siglos.

Poema de José María Ruiz Fuentes

La pieza que ahora publico es (hasta ahora en que comenzará a multiplicarse y está muy bien que así sea) inédita en internet. Se trata del programa de mano del teatro Politeama de Buenos Aires del lunes 14 de junio de 1954, donde se presentó Mariemma junto al gran pianista Enrique Luzuriaga, que desde 1944 y hasta el final de sus días la acompañó en todos sus espectáculos. Este programa nos presenta abundantes detalles de los diferentes cuadros que armaron el espectáculo, por lo que recomiendo ampliar cada imagen.
Aquí está, para deleite de todos los estudiosos de la danza y el arte escénico español:

El programa nos dice también que esta presentación de Mariemme en Buenos Aires fue organizada por la “Sociedad Musical Daniel” presidida por Ernesto de Quesada. Esto no es un detalle menor, ya que desde la primera década del siglo XX, Quesada presentaría en diferentes lugares de América solamente a artistas de primerísimo nivel como Gaspar Cassadó, (notable violonchelista y compositor español) Andrés Segovia, Arthur Rubinstein (en Buenos Aires lo presentó el 12 de Julio de 1917) Tomás Terán, José Arriola, Emeric Stefaniai, los violinistas Francisco Costa y Manuel Quiroga y entre muchos otros, a Daniel Barenboim cuando este apenas tenía 13 años de edad, en París, en 1955.

Cuentan que fue un pintor quien descubrió a Mariemma cuando ella tenía apenas 9 años y bailaba los fandangos, las jotas y las sevillanas que le había enseñado su madre, por las calles de París, donde junto a sus padres y nueve hermanos se habían trasladado desde hacía siete años. Había cumplido once y Guillermina Teodosia Martínez Cabrejas, (tal su verdadero nombre) nacida el 12 de enero de 1917 en Íscar (Valladolid) , era solista del Teatro Olympia y había realizado ya su primera coreografía.

Actuó con los mejores artistas y revolucionó la enseñanza de la danza española. Su trayectoria fue reconocida internacionalmente con numerosos galardones, como el Premio Nacional de Danza (1950), la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid (1951), el Premio Nacional de Coreografía (1955), la Medalla de Oro en la Feria Mundial de Nueva York (1964) y la Medalla de Oro de Bellas Artes (1981).
Considerada una de las divinas, junto a Ginger Rogers o Margot Fonteyn, ahora tiene un museo con su nombre que recomiendo vsitar, al menos virtualmente:

www.museomariemma.com

Sobre la vida de Mariemma se ha hecho un film documental, con guión y dirección de Daniel G. Cabrero, en el que él y todo un equipo de profesionales, han invertido dos años y medio de trabajo; del resultado de ello, pueden ver un muy interesante anticipo en:

www.danseusefilms.com/mariemma

Yepeto, 15 de octubre de 1987, la partida de nacimiento de un clásico.

2012-01-29T15:40:00.000-08:00

Roberto "Tito" Cossa, el padre de la criatura

El año 1987 en Argentina no fue fácil, ni en lo económico ni en lo político: por ahí andaban ciertos personajes de aquel tiempo; don Juan Sourrouille buscando refinanciamiento para la eterna deuda externa, Aldo Rico y sus sediciosos “Caras Pintadas” buscando impunidad para los criminales de la dictadura, como Antonio Bussi y el destituido capitán Alfredo Astiz, mientras, vaya a saberse quienes, mutilaban el cadáver de Perón en el cementerio de la Chacarita. Y en medio de tanto naufragio fue la cultura, una vez más, la balsa a la que había que aferrarse para salvar un poco de humanidad.

“Yepeto” estalló con un éxito enorme desde el 15 de octubre y volvió Roberto "Tito" Cossa a romper ese nefasto mito que dice “que el pueblo no puede tener acceso al arte por una especie de incapacidad intrínseca y que no se halla interesado en la cultura”
Escribió Soriano, entonces en Página/12 sobre el estreno de Yepeto: . “Va a despertar otra vez la pasión por el teatro argentino”, Y vaya si la despertó; cinco años en cartel y giras por el país y el exterior.
La pieza de mi colección que hoy publico es el programa de mano de aquel estreno en el Lorange, de modo que es algo así, como la partida de nacimiento de un clásico.

SÍNTESIS ARGUMENTAL

Yepeto, nos muestra lahistoria del enfrentamiento entre un profesor, escritor y docente cincuentón yun joven atleta, que quiere recuperar a su novia, una estudiante de literaturade apenas 17 años, que se siente atraída por su profesor, quien representa al adversariointelectual del personaje del atleta. El profesor y el joven, en un breve lapso detiempo, se encuentran varias veces: primero el joven lo visita para hacerlegroseros y amenazantes reclamos porque cree que ha seducido a su amada, unaestudiante, que sigue entusiasmada los cursos del profesor-escritor.El personaje de Ulises Dumont toma el asunto con mucho humor y le contesta demostrando un ingenioágil y una punzante ironía y pretende dar a entender, con humor y brillantez, que no hay más que una relaciónplatónica de maestro a discípula. Poco apoco el estudiante va descubriendo el mundo del profesor y vuelve regularmente a visitarlo, cada vez más interesado por lo que comienza a vislumbrar. El profesor le habla de literatura y del amor en tono sarcástico y seburla de sí mismo.

(PROFESOR : Las jóvenes también me rompen las pelotas. Sólo que con las lindas soymás tolerante. La vez pasada vino a verme una ex alumna... Hermosa mujer... Unpoco vieja... Veintisiete años... Bueno... estábamos en la cama, a punto ya de... Y no va y me dice: "Quierorecorrer la geografía de tu piel". (EXPLOTA) ¡Ah, no! ¡Cursilerías, no!¡No pude! ¡La eché! Y estaba muy buena. Pero si la dejaba me iba a decir:"penétrame", "hazme tuya", "correteemos desnudos porlas verdes colinas de Yonshire". ¡Un disparate!)

Y tendría que haberme dado cuenta. ¡Pero soy un pelotudo! Porque me trajo uncuento... ¡No sabés! (FALSAMENTE LLOROSO) ¡Cómo se puede escribir "cual lasalida del sol"! ¡"Cual la salida del sol"! Se lo dije: "Escomo vender choripanes en la Capilla Sixtina mientras tocan `El Mesías' deHaëndel".

Luego las confidencias sobreCecilia, la amada del estudiante, se harán cada vez más íntimas, sobre todo porparte del estudiante, y éste comienza a hacer tímidos ensayos en el campo de lapoesía, atiende solícito al profesor y llega un momento en que la relaciónentre los dos parece más importante y afectiva que con Cecilia. Incluso hay unmomento en que el profesor se confiesa que tal vez quiere más al estudiante quea la muchacha. Sin embargo, finalmente la relación del estudiante con Ceciliase hace efectiva y el profesor, otra vez solo, se sienta a escribir sobre elincidente, despide al estudiante, se lamenta por los amores fracasados y, medioen broma, maldice a la literatura que le hace perder la verdadera vida y elamor

Imagen de 2,50 mts x 3 mts, diseñada por Hugo Ailup, para la marquesina del teatro

EL DESNUDO DE GRANDINETTI EN ESTA OBRA:

La escena del desnudo fue interpretada de maneraartística y sin ofender en ningúnmomento a los espectadores, no obstante, sobre este tema, quiero reproducir aquí una respuesta inteligente de Grandinetti a una repetida pregunta estúpida de cierta crítica teatral:

P -La fama te llegó a fines de los 80, con la obra Yepeto y tu desnudo dio que hablar.

G –Puede ser, esa estupidez? sí, esas cosas a las que se lesda más valor que… Mirá, la hicimos tres años, hice 600 y pico de funciones, dejé y se siguió haciendo con Gustavo Luppi. Era la obra de Roberto Cossa, era el trabajo de Ulises Dumont que era extraordinario, era la dirección de Omar Grasso, y reducir, minimizar todo al desnudo me da pena. Es laexpresión de una mediocridad bastante acentuada.

P -Pero las mujeres y los envidiosos se acercaban al teatrosólo para verte. De alguna manera, te sirvió para que selevantara bastante polvareda con vos

G –No sé si me sirvió o no, lo que sí me sirvió fue hacer esa obra con esos compañeros.Me sirvió muchísimo, aprendía todos los días. En Italia, en España, donde la hicimos,decían "vayan a ver esa obra"; en cambio, cuatropelotudos de acá decían "vayan a ver el desnudo". Lo de siempre

FICHA TÉCNICA

Elenco:

Ulises Dumont
Darío Grandinetti
Gabriela Flores

Dirección: Omar Grasso (1)

Asistente de dirección: Tito Otero

Escenografía y vestuario: Marcela Polischer
Música: Jorge Valcarcel (2)

Ulises Dumont

“Uno sabe que alguna vez tendrá que agarrar un fierrocaliente, pero antes de que eso ocurra, también yo armaría mis valijas,simplemente para protegerme y estar en la resistencia. Los actores tenemos queponer la humanidad sobre el escenario y salvarnos”. (Ulises Dumont)

Fue el teatro su ámbito natural de formación desde que en1958 y junto a un grupo de amigos del barrio porteño de Núñez (en el quetambién estaba Luis Brandoni) formó un elenco dentro de un club y debutó con lapieza "Futuro imperfecto".

"No sé lo que me pasó, pero cuando subí al escenariosentí como un shock. En ese momento me di cuenta que lo único que me interesabaen la vida era ser actor. Tenía 19 años", recordó un cuarto de siglo mástarde en un reportaje.

Más de 80 obras de teatro, otros tantos trabajos en cine, son el enorme aporte que Ulises Dumont, generosamente, dándose por entero, leentregó a la cultura nacional. Un duende muy porteño, amante de la buena cocinay de la pesca y ante todo de la vida, este señor del escenario fue auténticamentefiel a él mismo. Recibió una veintena de premios nacionales e internacionales y la admiración y el afecto de compañeros y compañeras de trabajo que compartieron la vida artística.

(1) Omar Grasso ya le he dedicado otra entrada a " Lorenzaccio" que recomiendo repasar para saber un poquito más de los trabajos de este señor de la escena. (ver en el buscador de este blog)

(2) Jorge Valcarcel, que falleció con apenas 54 años, fue uno de loscompositores que más melodías le aportaron al teatro nacional moderno. Entre lasobras que musicalizó pueden mencionarse "Simón, el caballero deIndias", "La misa pagana" (donde también participó comointérprete), "La conversación de los cuerpos", "Siempre la mismamilonga", "Des tiempo", "Más", "Pingüinos","Vida y muerte de las ballenas", "Qué supimos conseguir","Che, mordisquito", "Cosas de payasos", y"Coronación", entre casi una centena. Una enorme actividad era comúnen él. Por ejemplo, en diciembre de 1985 tenía siete espectáculos en cartelsimultáneamente: "Una margarita llamada Mercedes", "Don Gil delas calzas verdes", "Veraneantes", "Cantolatinoamericano", "Los compadritos", "El gran circocriollo" y "Cuatro caballetes

"Cuando los Duendes Cazan Perdices" Luis Sandrini y su mayor éxito teatral

2012-01-22T14:02:00.000-08:00

Luis Sandrini Foto coloreada de Annemarie Heinrich

Esta fotografía coloreada de Luis Sandrini, tomada por Annemarie Heinrich, era autografiada y regalada por Don Luis a cualquiera de los tantos espectadores que se acercaban a pedirle el recuerdo. Es la misma Fotografía que fue usada en el programa de mano de "Cuando los Duendes Cazan Perdices" uno de los mayores (quizás el mayor) éxito teatral de los años cincuenta.

Luis Sandrini tapa de la Revista Antena Año 1950 Fotografía de Annemarie Heinrich

"Cuando los Duendes Cazan Perdices", del uruguayo Orlando Aldama, se constituyó en un fenómeno único desde su estreno en 1949 con localidades agotadas una semana antes de cada función (8 semanales) y el éxito los acompañó durante más de cuatro años consecutivos (1949 a 1952) Se convirtió entonces, en un destino de peregrinación para el público de teatro popular y muchos espectadores, que se decían habitúes del "teatro culto" sin decirlo a nadie, también rieron y lloraron viendo a Don Luis Sandrini en escena.

Luis Sandrini tapa de Radiolandia Año 1953

Quiero aclarar que la pieza de mi colección que hoy les presento, el programa de mano de "Cuando Los Duendes Cazan Perdices" me llena de satisfacción, porque fue tan trascendente su éxito que me resultaba ineludible su presencia en este blog, que pretende aportar piezas para armar el rompecabezas de nuestra historia teatral, y aquí está:

Tapa programa de mano Temporada 1950 teatro Astral

Interior del programa de mano

Contratapa Programa de mano

El elenco fue cambiando en las distintas temporadas, pero se mantuvo siempre en los roles principales.
Gracias a este programa verficamos que el elenco de 1950 fue el siguiente:
Alejo Rodríguez Crespo
Américo Serini
Ángel Boffa
Arturo Scutari
Blanca Ciller
Chola Oses
Eduardo Sandrini
Elda Dessel
Francisco Audenino
Irma Lagos
José Cicarelli
José M Perdrosa
Luis Sandrini
Malvina Pastorino
María Esther Buschiazzo
Max Citelli
Miguel Cossa
Morena Chiolo
Nélida Guerrero
Nelly Sheila
Rita Monterrey
Rosita Leporace
Warly Ceriani

Debo decir que Don Luis Sandrini no fue a mi criterio el mejor actor de su tiempo y que hubo actitudes en su carrera artística que me dieron pena, como cuando en la película "La Valija" optó darle dos finales, uno a pasar en los cines de los distintos barrios y otro en los cines del centro, porque pensaba que las clases populares debían ver un final acorde con la imagen del Sandrini bonachon y popular y entonces podría decir también aquí, que el personaje de Eulogio en "Cuando los duendes..." estaba armado justamente para él, que el personaje reunía las virtudes de los arquetipos propios de Sandrini que le quedaban cómodos y que él sabía explotar como nadie; la honradez, el sacrificio, la hombría de bien, la ingenuidad... tambien podría decir que era un arte ramplón, sensiblero... Pero aunque parezca contradictorio ( y no lo es) debo decir también que nadie, entre todos nuestros artistas, supo conmover mejor que Don Luis Sandrini el alma de miles de espectadores, hacerlos reír hasta el ahogo y al momento hacerlos llorar. Sandrini demostró que la gente ríe de las mismas cosas que si las piensa dos veces llora; Sandrini los hacía reír con su alma de bufón ingenuo y luego los miraba a los ojos para preguntarle a cada espectador, ¿ de qué te estás riendo? de mi dolor?

Luis Sandrini en "Cuando los Duendes Cazan Perdices"

"La vieja ve..." "La vieja ve..." "La mama ve los colores..."

Este éxito tatral de "Cuando los Duendes Cazan Perdices" fue llevado al cine en 1955, con algunas adaptaciones lógicas y asumiendo el mismo Sandrini su dirección y siempre con la ternura de María Esther Buschiazzo en el papel de la madre. También en cine marcó un increíble éxito que lo convirtió en un clásico, con una escena final a todo Sandrini que aquí está:

SINTESIS ARGUMENTAL:
La historia gira sobre la angustia de Eulogio Sotto (Luis Sandrini) por la ceguera de su madre, (María Esther Buschizzo) quién padece de cataratas. Eulogio quedó huérfano a los cinco años por la muerte trágica de su padre, causada por un balazo al producirse una reyerta entre unos jugadores de cartas. Días antes había nacido Juan Carlos, (Eduardo Sandrini) el segundo hijo. Eulogio se considera como una perdiz, ave muy fácil de atrapar por tener según él "un vuelo muy cortito". Eulogio tiene un sueño, que es construir una bicicleta que ha inventado, la cual se desplaza al subir y bajar el asiento, gracias a un pistón, a presión, que impulsa el aparato. A petición de su madre Eulogio está obligado a visitar a su hermano, Juan Carlos, para pedirle ayuda para su madre ya que Juan Carlos ha sido criado lejos de su made por haber sido dado en adopción a una pareja incapaz de procrear hijos y ahora cuenta con buena posición económica. Al llegar a la lujosa casa Eulogio encuentra que hay ambiente de fiesta en el lugar. Una joven, amiga de Juan Carlos, Blanca Luz, (Malvina Pastorino) acusa a Eulogio de intentar obtener dinero con el pretexto de su madre enferma. Eulogio responde con una bofetada. Sin embargo se reconcilian y Blanca Luz, decidida a hacer que Eulogio "levante vuelo" en su existencia se da vehementemente a lograr su amistad y ayudarle en sus proyectos aunque él la rehuye. Esto da origen a una intensa búsqueda por parte de Blanca Luz en los mas diversos lugares; como la Compañía de Teléfonos, la Compañía de Gas, un edificio en construcción, y hasta el equipo de fútbol Boca Juniors. Finalmente logra dar con su verdadero domicilio y hablar con doña Mangacha, madre de Eulogio, quién la pone al tanto de quienes son sus hijos y de los planos de la bicicleta que quiere materializar. A la postre se demuestra que efectivamente Juan Carlos y Eulogio son hermanos. La enferma es operada exitosamente y recupera la visión, el proyecto de la bicicleta se consolida y todo regresa a la normalidad

"Los Ojos Negros" Sainete de José de Maturana Año 1914

2012-01-19T06:22:00.000-08:00

Pasaje José de Maturana, Barrio de Monte Castro, Ciudad de Buenos Aires

Cerca de mi casa natal hay una callecita, apenas un pasaje, que lleva el nombre de José de Maturana. Entonces, en mis tiempos de niño, José de Maturana era para mi sólo eso; un lugar "piola" que quedaba justo a la vuelta de la casa de mi amigo "el Colo" donde podíamos jugar a la pelota a la salida de la escuela o cruzar de este a oeste o en sentido inverso haciendo piruetas con la bici, porque, total, no pasan autos, "si de escondido que está, al Maturana no lo conocen ni los de barrio."

Tardé demasiado en enterarme que José de Maturana era mucho más que un lugar "piola" Es que al igual que el pasaje, su nombre está escondido y no se ven sus sainetes sobre los escenarios, ni sus poemas en las librerías.
Sabemos que Maturana nació en 1884 y que vivió apenas 33 años, que frecuentaba los cafés de la época, donde se discutía "modernismo" y "anarquismo" y se profesaba el credo legado por Charles de Soussens a la bohemia porteña: “Me gusta pecar, si el pecado es noble y elegante; amo a las mujeres jóvenes, los libros viejos, los gatos de angora, el cognac Napoleón y, sobre todo, la libertad”

Cafe Los Inmortales

Álvaro Yunque consideraba a Maturana uno de los tres principales poetas del anarquismo, junto a Roberto Ghiraldo y Federico Gutiérrez
Ricardo Rojas así lo describía: "su silueta romántica: los ojos negros siempre absortos, las descarnadas manos siempre gesticulantes, la corbata oscura y suelta, como el cabello que ponía un halo de ensueño a su ancha frente pálida. El explosivo nombre de Kropotkin alternaba en sus labios con el melodioso nombre de Rubén Darío, a quien como todos los poetas jóvenes, admiraba."
Y de su trabajo como poeta y dramaturgo esto creía el mismo Rojas: "Si por sus poesías líricas Maturana es un poeta agradable aunque de no acentuada originalidad, en cambio su personalidad es característica dentro del teatro criollo, porque recogió la antorcha del drama poético, muriente ya en Martín Coronado"
Creo que de todos sus libros de poemas, aún es posible de encontrar en librerías de usados, "Naranjo en Flor"
De sus obras dramáticas, entiendo que Argentores debe guardar muchas de ellas en su bliblioteca, (Las más conocidas: "¡Qué calor con tanto viento!" "El campo alegre" "La flor del trigo" y otras) ya que Maturana fue uno de los socios fundadores de la entidad y su primer bibliotecario; seguramente él mismo despositó allí varios ejemplares.

Recordemos que durante la primera década del siglo XX, Buenos Aires recibe una nueva oleada con varios miles de inmigrantes más, que la vuelven ya tan cosmopolita que es tierra de todos y esos todos están allí, retratados plenamente en nuestro teatro de sainete.

Maturana viajó un poco a la inversa, se fue a España en 1912, se encandiló con Andalucía, regresó hacia 1914 que es cuando concluye su sainete "Los Ojos Negros" y tanto en la canción inicial, como en la construcción que hace del personaje Chicharito, demuestra la facinación que esa región de España le dejó a Maturana.
Del sainete diré que me parece muy interesante la descripción que marca la ubicación escénica, donde indica un doble espacio de acción, pués se trata de un local de cigarros de la época donde ocurren los hechos principales, pero el foro es el frente vidriado del salón que deja ver los personajes en la calle también en acción permanente. Esto, a mi juicio, permitiría que el ritmo y los contrastes y las interrupciones justificadas de los diálogos le otorguen una vitalidad a la acción casi caótica, muy interesante si se la sabe aprovechar,claro está, desde la dirección.
La música para este sainete fue compuesta, nada menos que por Antonio de Bassi (esperemos que no esté perdida para siempre) Las obras de teatro que musicalizó de Bassi oscilan entre 350 y 400, representadas en las mejores salas y escritas por casi todos nuestros mejores autores.

"Los Ojos Negros",entiendo yo, solamente fue editado en la revista "El Teatro Nacional" Año IV Nro 40 del 9 de mayo de 1914, uno de esos ejemplares forma parte de mi colección y aquí está, desde ahora en Internet, porque vaya uno a saber, quizás con esta publiacación el nombre de Maturana no esté tan escondido, como la callecita de mi barrio, que no la conocen ni los vecinos y alguno se anime a reponerlo sobre un escenario.

¡Arriba el telón!

Onrubia - Victoria - Maravillas; La historia de un teatro

2011-12-11T12:56:00.000-08:00

Teatro Onrubia Esquina sudeste de Victoria y San José

Hasta principios de 1889 en la esquina sudeste de San José y Victoria (hoy Hipólito Yrigoyen) estaba la residencia de Don José Felipe Emilio Onrubia; (conocido como "el loco Onrubia") un entrerriano de Paraná, periodista, dramaturgo, dicen que emprendedor e inquieto, amigo de poetas, comediógrafos y políticos. Un buen día decidió llamar a un arquitecto y le dijo: "Quiero que aquí mismo me haga un teatro" Don Emilio estaba convencido que "querer es poder" Poco después, viendo al pasar por ahí las transformaciones que se hacían en el lugar, Leandro N. Alem le preguntó a su amigo Onrubia: - ¿Qué haces, Emilio? - Nada.- Le contestó Onrubia - Primero hice un sainete para teatro y como nadie lo quiere estrenar, ahora hago un teatro para el sainete.

Leandro N. Alem

Onrubia ya era autor de varias obras; la primera fue "La Coqueta de Gualeguaychú" que se estrenó justamente en la ciudad de Gualeguaychú y por ella Onrubia recibió críticas feroces, una de ellas del Dr. Cándido Irazusta primer intendente del lugar, que lo acusó de "ofender a las gentes del pueblo" Don Emilio también fue autor de "La hija del Obispo", "Los Cofrades de Pilato", "La Copa de Miel" y la más difundida de todas: "El Payador" con música de Antonio Domingo Podestá.
Corrían los años de Juarez Celman en la presidencia del país, es decir, tiempos de fraude político y corrupción. La Unión Cívica, el partido de Leandro N. Alem, habla de revolución para derribar al régimen maldito. Se denuncian los negociados, las emisiones clandestinas de billetes por parte de los bancos. Se reclama decencia, sufragio libre y algo tan elemental como que se cumpla con lo establecido en la Constutución Nacional. Don Emilio Onrubia formaba parte de esa ebullición y el sainete que había escrito, "Lo que sobre y lo que falta" no era ajeno a ese pensamiento revolucionario, de allí que ninguna sala consintiese su representación.

Julia Cirera actuando en Casandra
Madrid 1910

Finalmente Don Emilio inauguró su propio espacio con el nombre de "Teatro Onrubia" el 15 de mayo de 1889 con la Cia Española de José González, que presentó a la primera actriz Julia Cirera (que luego, en 1910, estrenara "Casandra" de Benito Perez Galdós en Madrid) con el drama "Dora" de Victoriano Sardou. Evidentemente Onrubia quería un estreno "prolijo" de la sala, pero llegó el 11 de julio y subió a escena su sainete "Lo que sobra y lo que falta" y esa noche, ni en el escenario, ni en la platea, no sobró ni faltó nada para que el Teatro Onrubia fuera un verdadero campo de batalla; unos batallaban para defender la obra y otros tantos para silbarla. Promediaba el primer acto cuando empezaron los silbidos y enseguida las trompadas, las butacas eran arrancadas y volaban hacia el escenario, una de ellas le pega en el hombro a José González y lo deja maltrecho con el hombro dislocado. Una trompada dio en plena cara de Emilio Onrubia y eso enfureció aún más a quienes defendían la obra. El escándalo en el teatro fue de tal magnitud que Don Emilio fue a parar a la cárcel y allí fue visitado por el mismísimo jefe de la policía, el general Alberto Capdevila, que le preguntó como se encontraba; Onrubia le contestó irónico: "Ya lo vé, aquí me tiene usted, gozando de los beneficios de la Constitución"

Ruben Darío

Ruben Darío ocupaba siempre una butaca preferencial en esta sala en su condición de cronista del diario "La Nación" y allí podemos encontrar de su pluma algunos detalles de las obras que se presentaban.
En toda su historia (1889/1945) este teatro cuenta con estrenos gloriosos de Nemesio Trejo, de Ezequiel Soria, Martín Coronado, Martiniano Leguizamón que ofrece allí "Calandria" una de las obras fundacionales del teatro criollo...
No quisiera omitir la actuación, a mediados de 1889, en el Onrubia de un violinista excepcional, el cubano Brindis de Salas, al que apodaban "el Paganini negro" o "El rey de las octavas" que se cansaba de llenar teatros en todo el mundo, y que pocos años después de asombrar a Buenos Aires en la sala del Onrubia, quiso volver a esta ciudad cuando su vida ya era otra muy distinta y fue un policía, el 2 de Junio de 1911, quien lo encontró muerto sobre la vereda de un restaurant del Paseo de Julio (hoy Alem) y Av. Córdoba, (zona brava de malevaje para esa época) donde había sido arrojado violentamente por no tener dinero para pagar lo consumido.

Brindis de Salas

La Revista Cartas y Caretas de Julio 1911, describe así la muerte de Brindis: “La historia de este lírico bohemio parece un cuento, sin embargo es cierto. El 2 de junio murió en nuestra ciudad. Había vuelto de Europa en el vapor Satrústegui ¿a qué vino?, se ignora. Después de haber sido millonario, después de haber vivido la vida de un monarca, después de haber hecho temblar el corazón de las mujeres, después de haber paseado por el mundo su alma que era un violín, después de tanto amor, de tanto fuego, de tanto sol, de tanta melodía, de tanta gloria y laurel, cayó al fin destrozado. Viejo, pobre, sucio, negro, tísico y solo... ¡solo! ¡Solito! Ni siquiera tuvo en el momento de morir el consuelo de abrazar el violín que lo hizo célebre.”

Canton Revolucionario Revolución del Parque 1890

Hasta la revolución del 90 (Revolución del Parque) pasó por el Onrubia que fue cuartel de los revolucionarios y en sus paredes exteriores quedaron las marcas de los balazos con que se quiso reducir a los radicales de Leandro N. Alem apostados en la terraza del teatro.
En este ambiente de teatro y política es que Don Emilio educa a sus hijos, entre ellos Felisa de Onrubia, autora de varios poemas que edita en sus libros "Mi Album" y "Pasa una Mujer".

TEATRO VICTORIA
Pero pocos años después de su inauguración, en 1896, la política, la mala administración y algunas deudas de juego, son las razones que obligan a Don Emilio a vender su teatro a otro entrerriano amigo, Juan Claudio Uranga, que aprovechando que a pocas cuadras (Calle de La Victoria y Buen Orden, hoy H. Yrigoyen y Tacuarí) había cerrado sus puertas otro teatro; el tradicional "Teatro de la Victoria", decide llamar desde ese momento "Teatro Victoria" al viejo Teatro Onrubia.

En esos años o poco después también se instala en la esquina opuesta el Café Victoria

Uranga es quien hace algunas modificaciones, así se convierte en un salón de líneas muy elegantes y de lujosa confortabilidad, con elementos propios de un gran coliseo, con estacionamiento para carruajes, con escenario a la italiana dedicado principalmente a los espectáculos españoles, aunque no exclusivamente.

Teatro Victoria (antes Onrubia)

Se abrió asi una etapa donde no faltó ningún género teatral sobre el escenario del Victoria (Onrubia) desde los Podestá hasta las figuras internacionales más destacadas, como José Tallaví, y allí muchas obras de nuestro autores lograron ser puestas por vez primera, alternando con grandes artistas extranjeros, empujada la cartelera cada día más a satisfacer los deseos de la corriente migratoria, que acudía a radicarse en Buenos Aires.

NUEVAMENTE TEATRO ONRUBIA
Luego apareció el interés de Salvadora Onrubia por hacerse de la sala y devolverle el viejo nombre. Así fue como por 1932 o poco antes (no tengo la fecha precisa, si alguien la conoce, favor de aportarla) el teatro recupera su nombre y en sus anuncios dice: "Teatro Onrubia ex Victoria" y aparecen como empresarios los hermanos Joaquín y Carlos Pibernat, el primero era actor de nacionalidad chilena, su hermano Carlos era oriundo de Paraná, Entre Ríos, a igual que la familia Onrubia.

Salvadora Onrubia

Pero antes de continuar, quisiera hacer una breve mención de quien fue Salvadora Onrubia, ante todo porque fue una de las primeras dramaturgas de Latinoamérica, desarrollando un teatro feminista auténticamente revolucionario, y porque la historia oficial sólo quiere recordarla como la mujer de Natalio Botana, el director del Diario Crítica. Ella fue una importante militante anarquista de principios del siglo XX, un verdadero icono del anarco~feminismo que se desarrolla conjuntamente con otras manifestaciones de la vanguardia de los años 20. Fue periodista, escritora y militante política. Había nacido el 23 de marzo de 1894 en La Plata, luego fue enviada muy niña a Paraná con su familia y desde joven incursionó en las letras, más adelante se iba a destacar como periodista en La Protesta, Fray Mocho, PBT, Critica y Caras y Caretas; al tiempo que también lo hizo como autora teatral, cuentista y novelista en obras como Akasha, El vaso intacto y El misal de mi yoga.

Primera edición de El Misal de mi Yoga dedicado por la autora
al director del Diario La Razón Año 1929

Salvadora participó en la Semana Trágica y en 1930 la dictadura militar la apresó: fue el 6 de septiembre cuando el general José Felix Uriburu derroca al gobierno democrático radical y ordena la prisión inmedita para ella. Luego, un grupo de intelectuales argentinos envió una carta al dictador para solicitar “magnanimidad” con Salvadora por “su triple condición de mujer, de poeta y de madre”. Pero ella no estuvo de acuerdo con el pedido y le mandó al general otra carta, desde la cárcel, en la que la que le manifiesta todo su desprecio.
TEATRO MARAVILLAS
Sólo por dos años el Onrubia recuperó su nombre, en 1934 la sala pasó a denominarse "Teatro Maravillas" dedicada ya intensamente a la presentación de espectáculos con artistas españoles, más aún luego de 1936, cuando la guerra civil expulsa de España a artistas y "rojos"
Fueron muchos los grandes de la escena que pasaron por el Maravillas, como Raquel Meller o Conchita Martinez, pero quien obtuvo el éxito más rotundo y sorprendente, fue la gran Carmen Amaya, con un espectáculo denominado "Maravillas en el Maravillas" que debuta en Diciembre de 1937 y permanece en cartel durante un año.

Elenco de Crmen Amaya en "Maravillas en el Maravillas" y frente del teatro

A Carmen Amaya "La gitana que baila con los pies" ya le he dedicado dos entradas en este blog (ver en el buscador) pero su mayor éxito fue sin dudas este, porque fue el primero y porque se ganó al público y a la crítica de inmediato, bien lo cuenta Edmundo Guibourg en esta columna que ocupaba en el Diario Crítica

El Maravillas, bajo la dirección artística de Garcia Malla, se estableció como un lugar de culto para las distintas colectividades españolas; allí, los miles de inmigrantes españoles pudieron reencontrarse con su cultura; como este homenaje, del 22 de Setiembre de 1941, (con Maruja Boga junto a Tacholas) en honor al compositor, poeta y director de coros, Manuel Prieto Marcos; otro de los tantos valores artísticos españoles exiliados en Argentina.

El Maravillas sobrevivió hasta el año 1945 en que fue demolido.
Pero si usted anda por Buenos Aires y mira la esquina sudeste de Hipólito Yrigoyen y San José, preste suma atención, oirá un rumor de aplausos que nunca termina; dicen que los duendes del Onrubia, Victoria o Maravillas, no se entregan al olvido.

"Té y Simpatía" Con Elina Colomer y Carlos Cores, en el teatro Odeón Años 1954 - 1955

2011-11-28T05:02:00.000-08:00

Elina Colomer Tapa Revista Radiolandia

Carlos Cores Tapa de Revista Radiolandia

Estamos en la Buenos Aires de 1954 donde los hombres aún se preocupan por demostrar que tienen los pantalones bien puestos y sujetos. Muestran sus tiradores "Paris" para parecer más varoniles, cuanto más varonil, mejor... es que la homosexualidad es un tema "inconfesable" del que no se habla en voz alta y si se habla, es con sorna, desprecio y crueldad. Por lo tanto, mostrar sobre un escenario esta homofóbica moral no era nada fácil. ¿Cómo decirle a esa sociedad: miren, esta crueldad les pertenece? El tema de la obra "Té y Simpatía" de Robert Anderson no es la homosexualidad sino el cruel acoso que sufren los homosexuales y hasta quienes pueden ser "sospechados" de serlo. En esta obra se expone una visión sobre el rol masculino, el machismo y ante todo, la homofobia de la sociedad, pero lejos está, desde lo argumental, de admitir la homosexualidad como una opción sexual válida y tan natural como la heterosexual: no hay ni una sóla línea de diálogo en ese aspecto; habrá que entender que era mucho pedir en 1954. De todos modos no deja de retratar la homofobia social con inteligencia dramática.

Edición Losange Año 1956

Tom Lee es un joven internado por su padre en un colegio de varones y confiado a un homofóbico profesor de gimnasia amigo del padre. El joven sufre las sospechas de sus compañeros sobre su condición sexual, le otorgan papeles femeninos en las obras teatrales el colegio y recibe toda clase de bromas crueles por preferir la música y la lectura al deporte y la camaradería viril. Así mismo, un paseo por la playa con un profesor aparentemente gay, aviva los rumores. Tom Lee, en verdad está profundamente enamorado de la esposa del profesor homofóbico. Ella le ofrece tazas de té con masas y su simpatía. A ella no le resulta desagradable el interés del muchacho. Pero los rumores aumentan y varios lo prefieren a Tom Lee fuera del colegio. Para detener esos rumores el jóven decide abordar a una conocida prostituta, pero su torpeza lo hace fracasar, y todo lleva al joven al borde del suicidio. La amabilidad y el té con masitas, de la insatisfecha esposa del homofóbico profesor de gimnasia, le salvará del ambiente represivo y acusador, y será ella quien lo conducirá por la senda de una sexualidad madura.
Lamentablemente, este no es un tema del pasado: hace pocos meses, en setiembre de 2011, los diarios dieron cuenta de dos casos:
AMHERST, Nueva York - La policía sopesa la posibilidad de presentar cargos criminales tras el suicidio de un joven de 14 años que pudo haber sido víctima de acoso.Cuatro meses antes de quitarse la vida, Jamey Rodemeyer colocó un video en internet donde se quejaba de haber sido intimidado debido a su orientación sexual.
Un chico de 18 años se suicida tras ser acosado en su instituto por ser homosexual. El tema ha causado gran polémica en la sociedad tras la muerte de otros adolescentes por el mismo motivo. Hace dos meses en Minnesota, Estados Unidos, se encontró el cuerpo sin vida de un adolescente de 18 años

"Té y Simpatía" se había estrenado el 30 de setiembre de 1953 en el Ethel Barrymore Theatre de New York, bajo la dirección de Elia Kazan; el papel protagónico femenino fue para Deborah Kerr. Y marcó uno de los mayores éxitos teatrales de los Estados Unidos; Brooks Atkinson declaró en el New York Times: "Es una obra que devuelve el teatro norteamericano al arte". Luego fue llevada al cine por Vincente Minnelli, padre de Liza Minnelli fruto de su relación con la actriz y cantante Judy Garland.

Comentario de Prensa Revista Argentores
Julio 1955

Aquí, en Buenos Aires, fue María Luz Regas quien se animó con la traducción y Luis Mottura con la dirección. La escenografía no habrá sido sencilla por cuanto la escena se desarrolla en más de un ambiente y quien la resolvió fue Antonio Testa. La producción fue de José Pedro Carambat, quien para esos años seguramente ya había perdido la cuenta de los éxitos que llevó al viejo teatro Odeón de la calle Esmeralda.

Pero ¿Quienes se animarían con la interpretación ? Los elegidos fueron dos consagrados; Elina Colomer y Carlos Cores, y para el papel del atormentado adolescente "Tom Lee", que lleva adelante el conflicto principal de la obra, no podía ser una elección fácil, no obstante, le fue confiado a un jóven y desconocido actor llamado Frank Nelson, del que luego de este rol, no tengo registro de otros trabajos en teatro, en cine filma junto a Tita Merello "Para vestir santos" también en 1955. Cumplida con éxito la temporada de 1954 continuaron en 1955, hasta la caída del gobierno de Juan Perón ya que, Elina Colomer, de reconocida vinculación ideológica con el peronismo, debió dejar la obra y no pudo actuar en ningún otro lado durante muchos años.

CARLOS CORES

Para hablar de Carlos Cores, voy a reproducir esta semblanza que Susana Freire publicó en el diario La Nación el 9 de febrero del 2000 cuando Cores dejó de existir:

Había nacido en Santa Fe, en 1922 como Juan Carlos Márquez Cores, y sus inicios artísticos los realizó en una radio rosarina, a los 14 años y a escondidas de su padre. De la mano de Carlos Borcosque irrumpió, en 1941, en la pantalla grande. Con él tuvo la responsabilidad de dar vida a diversos personajes juveniles que presentaban una temática común: las dificultades para encarar sus primeras batallas en la vida y en el amor. Con estos caracteres debutó, en 1941, en "Yo conocí a esa mujer", junto a Libertad Lamarque, un puntapié inicial que lo colocó en los elencos de "Cada hogar, un mundo", "La juventud manda", "Eramos seis" y "Valle negro". Si bien Borcosque lo guió en sus primeros pasos por el cine, también contribuyeron en su formación León Klimovsky, Francisco Mugica, Ernesto Arancibia, Leo Fleider, Luis César Amadori, Lucas Demare y Mario Soffici, entre otros. Por su prestancia y virilidad encontró su espacio en la etapa épica del cine: "La muerte en las calles" (1952), un drama que ubica las acciones durante las invasiones inglesas; temática similar a la de "El grito sagrado" (1953), donde encarna a Martín Thompson, marido de Mariquita Sánchez.

Más allá de su prestancia de galán, vibró en la cuerda romántica al interpretar a Juan Aurelio Casacuberta, actor argentino de las primeras décadas del siglo XIX, en "El amor nunca muere" (1955), de Luis César Amadori, junto a Zully Moreno. También supo desdoblarse actoralmente para entrar en el juego de capa y espada y de intrigas que le exigía "El juramento de Lagardere" (1955), basado en la novela "El jorobado", de Paul Feval, dirigida por León Klimovsky. El director Lucas Demare pudo ver detrás de su apariencia de hombre seductor una vena de fuerte carga dramática, la que el actor pudo exponer en "Guacho" (1954), en contrapunto con Tita Merello, film que cosechó varios premios pero ninguno para Carlos Cores, y en "Sangre y acero" (1955), un film que entra en la vida cotidiana de los ferroviarios para registrar las pasiones encerradas en la cabina de los maquinistas. Con estos antecedentes no fue extraño que lo convocara Fernando Ayala para "Los tallos amargos" (1956). Otra vez los premios recayeron sobre el film, pero fueron esquivos para el protagónico masculino. Tantos años de oficio lo invitaron a convertirse en director para filmar "Lindor Covas, el cimarrón" (1962) y "Asalto en la ciudad" (1964), pero la actuación lo siguió seduciendo. Si bien la mayor parte de su profesión la desarrolló en la cinematografía, también intentó afianzarse en el teatro y la TV. En este último ámbito llegó a dirigir los destinos artísticos de los canales 7 y 9.

Estuvo casado con Chitita Borcosque, con quien tuvo tres hijos; con la actriz Elizabeth Killian (dos hijos, uno de ellos la modelo Elizabeth Márquez), y con la productora María Angélica Valente. En los últimos años de su vida prácticamente desapareció del cine, el teatro y la pantalla chica, pero la radio, el primer romance profesional que tuvo, fue la que lo recogió con afecto: en Radio El Mundo, de 22 a 23, seducía a los oyentes con su programa "Siempre que llovió, paró".

ELINA COLOMER

Biografía de A.N. Other

Elina Francisca Colomer nació en 1922 y se inició como extra en 1942 en "Incertidumbre", de Carlos Borcosque y tuvo pequeños papeles en "Tú eres la paz", con Alicia Barrié, "La novia de primavera", con María Duval, "Claro de luna", con Mirtha Legrand y "Son cartas de amor", con Pedro López Lagar, etc. Participó en 31 películas.

Durante el gobierno peronista estuvo vinculada afectivamente a Juan Duarte, y su carrera alcanzó su cenit. Realizó su mejor trabajo dirigido por Mario Soffici en "Mujeres casadas" y fue protagonista de filmes como "Mi divina pobreza" "Una viuda casi alegre", "El complejo de Felipe" y "Escándalo nocturno". Después de 1955 su carrera se paralizó, y volvió en 1957 en un espectáculo con José Marrone. Después de realizar varias películas con pequeños papeles, Hugo del Carril la dirigió en "Culpables". A pesar de tener una gran carrera, su popularidad aumentó con el ciclo "La Familia Falcón", donde acompañó a Roberto Escalada, y que luego fue llevado al cine y al teatro.

Se destacó en teatro en obras como "La tercera palabra", "Té y simpatía", "Ejercicio para cinco dedos", "Vivir es formidable", "Acelgas con champagne" y "La jaula de las locas". Realizó su última intervención cinematográfica en 1979 en "Donde duermen dos...duermen tres", de Enrique Cahen Salaberry. En sus últimos años estuvo retirada de la actuación debido a su falta de voz.
Falleció a los 65 años el 2 de junio de 1987 en Buenos Aires.

José "Pepe" Moncayo Cubas y la zarzuela en Buenos Aires Año 1913

2011-11-20T17:03:00.000-08:00

José Pepe Moncayo Cubas

A este blog, que intenta rescatar del olvido algunos pasajes de nuestra historia teatral, le viene faltando más de una "entrada" dedicada a la zarzuela, que tanto éxito obtuvo en esta ciudad. Aquí pago,entonces, la primera cuota de esa deuda, con esta publicación que recuerda el paso por Buenos Aires de José "Pepe" Moncayo, un actor español que lleva en su nombre una parte enorme del llamado "Teatro Cómico Español" Transitó con éxito la zarzuela, el sainete español, la opereta y hasta la revista.

Av de Mayo en el año 1909

Hacia 1909 llega José Pepe Moncayo a Buenos Aires para presentarse en el Teatro Avenida. La zarzuela se hallaba en su apogeo, eran varias las salas porteñas que competían ofreciendo hasta en tres secciones diarias, las obras del género chico, y muy esporádicamente se presentaban las grandes obras ya consagradas, y cuando esto ocurría, muchas veces eran "reducidas" a sólo un acto. Es que la competencia obligaba a ofrecer novedades constantemente sin importar mucho la calidad. No existía la pausa del feriado; se trabajaba en forma continuada, hasta en Navidad y Fin de Año, y se presentaban más de una obra por día en la misma sala. No obstante tanto trabajo y la fama de algunas figuras, para la mayoría de los integrantes de esas compañías, económicamente hablando, eran tiempos difíciles. Como ya dije, las novedades eran ávidamente esperadas y se mezclaban las escasas obras de calidad con páginas mediocres, pero unas como otras, más allá de sus méritos, resultaban a veces tan ocasionales, que no sobrevivieron al estreno.

José Pepe Moncayo en el teatro San Martin de Buenos As Publicado en Revista Teatros y Comedias de Junio de 1912

Hacia 1913 el panorama era el mismo y José Pepe Moncayo Cubas, con cuatro años en Buenos Aires, decide estrenar el 20 de agosto en el teatro La Comedia (construído en el año 1891 en la calle Artes -hoy Carlos Pellegrini- a la altura del número 248 y que cayó bajo la piqueta en los primeros años de la década del cuarenta para dejar paso a la apertura de la Avenida Nueve de Julio) la obra "Málaga" "Tierra de Flores" escrita por Antonio Gonzalez Navarrete, un autor del que no tengo referencia alguna, (agradeceré si alguien puede aportar la primera) con música de Rafel Palacios, del que si constan sus diversas actuaciones como director de orquesta en el Teatro Avenida y otras salas.
Esta zarzuela, a Pepe Moncayo, le habrá interesado desde su título, ya que Málaga fue la tierra que lo vio nacer el 22 de Junio de 1863. Miembro de una estirpe familiar de actores y cantantes consagrados, debuta con sólo once años de edad y en 1894 ya era primera figura, desde esos orígenes fue la vena cómica la que él prefirió explotar y fue elegido para muchos estrenos históricos como “El Barbero de Sevilla” en 1901, o “La Alegría del Batallón” en 1909.

José Pepe Moncayo Cubas Año 1924

Dicen de José Pepe Moncayo Cubas que tenía en su vida cotidiana un humor chispeante, que era amante de fumar puros y de la buena cocina. Coterráneo de José Tallaví, que anduvo por aquí en los mismos años que Moncayo, es fácil imaginarlos disfrutando de charlas y buenos platos en el café "La Armonía" aquel que había sido fundado por los hermanos Caneda en 1899 en Avenida de Mayo 1002 y que se hiciera de fama por sus pucheros abundantes y porque luego de los teatros ofrecía chocolate con churros a los artistas que frecuentaban el lugar. En esas charlas, seguramente, ante el panorama que ya mencioné, habrá sostenido entre amigos y colegas, algunos conceptos que encontré en un reportaje a Moncayo del Diario ABC de Madrid, donde dijo: “Ahora todos quieren ser cabeza de ratón, pero cabeza, y al formar compañía a base de una primera figura, por ahí andan, por esos mundos de Dios, a la caza de las suculentas y cada vez más preciadas batatas” “Los autores terminan haciendo las obras “a medida” y limitando otros papeles. Antes, todos eran “tipos” que necesitaban de un actor para ser interpretados. Luego se escribieron los grandes números de conjunto destacando el trabajo sólo de las “estrellas” de los “divos” y esto produce el dislocamiento de los argumentos, la poca consistencia de las fábulas que vemos hoy”
"Málaga" "Tierra de Flores" fue seguramente una de esas tantas obras ocasionales más allá de sus virtudes o defectos, pero que hoy puedo rescatar del olvido y publicar aquí, porque su autor la publicó en esos populares cuadernillos de la época, que por muy pocos centavos se ofrecían en algunas librerías o kioscos de diarios. Aquí está, entonces, "Málaga" "Tierra de Flores" rescatada del olvido y para ser leida o interpretada , (Por qué no?) nuevamente casi cien años después.

El Radioteatro o el difícil arte de imaginar con la oreja

2011-11-05T19:51:00.000-07:00

Hubo un tiempo en que el teatro partió desde los escenarios y fue sólo palabra y sonidos. Fue entonces que logró instalarse en casi todos los hogares. Allí tenía su altar en un mueble con forma de capilla. El teatro llegaba con voces potentes, formadas las primeras de ellas en los circos, donde se hablaba fuerte y claro. A la hora señalada no faltaba ningún integrante del grupo familiar ubicado en su platea preferencial.
Voces, efectos sonoros producidos en forma precaria pero verosímil, un poco de música, algo de melodrama y el difícil arte de imaginar con la oreja estaba ahí, obligando a algunas tiendas de Buenos Aires a transmitir la radionovela en sus locales y así evitar la baja de las ventas en el horario en que salía al aire.
Pero no todo era solamente entretenimiento; la pieza de mi colección que hoy publico, corresponde a dos libretos de la audición "La Batalla Argentina" que se emitía los días martes, jueves y sábados a las 15 hs. por LR4 Radio Esplendid (RADES) auspiciado por el "Centro Argentino de Cultura" en la temporada radial de 1944 y que luego se imprimían en pequeños cuadernillos para ser repartidos entre los oyentes. Está claro que estas emisiones de un sólo capítulo no fueron solamente un entretenimiento, sino tambien una excelente herramienta para exaltar el nacionalismo y modelar el sentido común de la población. No olvidemos que estamos en 1944 y para quien hasta febrero fuera el presidente de facto General Ramirez la tarea del gobierno militar consistía en "renovar el espíritu nacional y la conciencia patria -que ha sido ahogada-, infundiéndole una nueva vida" y "dar contenido ideológico argentino al país entero". Es este General nacionalista quien estableció la veda radiofónica del lunfardo por considerarlo de origen criminal y moralmente repugnante. Debido a ello las letras de algunos tangos debieron modificarse para su transmisión pública.

Cuando Narciso Ibañez Menta fue John Barrymore en "MIS AMADAS HIJAS" Año 1944

2011-10-29T16:38:00.000-07:00

Narciso Ibañez Menta

Este video que encontré en Youtube con el título "El mejor actor que jamás haya vivido" es un buen homenaje a John Barrymore y sin dudas que la interpretación que de él hizo Narciso Ibañez Menta en "Mis Amadas Hijas" también lo fue. Aquí les presento el programa de mano de aquella creación de Narciso y otras piezas de colección para homenajear, de alguna manera, a estos dos grandes actores y recuperar, virtualmente, este trabajo para la memoria de nuestros escenarios.

Barrymore

John, el miembro más destacado de la disnastía de artistas Barrymore, hermano pequeño de la actriz Ethel y el actor Lionel, hijo de los intérpretes Maurice Blyth (Maurice Barrymore) y Georgie Drew, sobrino del actor John Drew y nieto de Louisa Lane Drew, directora del Arch Street Theatre de Philadelphia nació el 15 de febrero de 1882 en Philadelphia, estado norteamericano de Pennsylvania y a los dieciocho años ya estaba interpretando obras teatrales en Broadway, entre ellas varias comedias y obras de William Shakespeare, incluyendo una exitosa representación del "Hamlet" La intensa carrera profesional y vida personal de John Barrymore se vería fuertemente perjudicada por su adicción al alcohol, lo que le provocó un grave deterioro físico y psíquico, aparentando una edad bastante superior a la real y fue justamente el alcoholismo lo que terminó llevándole a la muerte a causa de una cirrosis el 29 de mayo de 1942.

En 1920, cuando Narciso contaba apenas con ocho años de edad y era reconocido ya como un pequeño actor bajo el nombre de "Narcisin", John Barrymore filma "El Dr. Jeckyll y Mr. Hyde" Obra que Narciso llevara años adespués a teatro. La admiración de Narciso por Barrymore es evidente en esta aclaración que Ibañez Menta coloca en el programa de mano y que aquí publico:

Extracto Programa de Mano de "Mis Amadas Hijas" Teatro Politeama Colección privada de Roberto Famá Hernández coleccionesteatrales@gmail.com

"Mis Amadas Hijas" se estrenó originalmente en el Belasco Theatre de Broadway, New York, el 31 de enero de 1940 y bajó de escena el 18 de mayo del mismo año, luego de 117 representaciones. La dirección fue de Otto Preminger y el reparto original estaba encabezado por John Barrymore, (interpretándose bajo el personaje de Allan Manville) y lo acompañaron: Tala Birell, George Reynolds y Patricia Waters.
La atracción de la obra era, francamente sensacionalista; allí acudía el público de Broadway a ver al gran actor caído en desgracia por el peso propio de los años, por el alcohol, por los fracasos matrimoniales, satirizándose a él mismo, mostrando con humor su vida turbulenta y allí la cosa funcionó con éxito, justamente porque era el mismo John Barrymore quien se satirizaba.
Poco después, en Mayo de 1942, Barrymore fallece y en Marzo de 1944 es Narciso Ibañez Menta quien decide interpretarlo, volverlo sobre un escenario y en Buenos Aires. La obra tiene frases ingeniosas, de humor y escenas bien compuestas, pero, ¿podría funcionar la obra sin Barrymore? Narciso se propuso ser Barrymore y lo logró... Vaya si lo logró! Todas las crónicas de la época destacan el enorme parecido físico que Narciso adquirió mediante un estupendo maquillaje y una interpretación donde los gestos e inflexiones de la voz y ademanes, resucitaron a Barrymore sobre el escenario del Politeama.

César Fiaschi, Narciso Ibañez Menta y Rosa Rosen en una escena de Mis Amadas Hijas en el teatro Polietama Año 1944

Una semana antes del estreno en el Teatro Politeama, comenzó a anunciarse el próximo estreno utilizando el humor en cada aviso:

Y llegó el 16 de marzo de 1944 y el Politeama se colmó con dos funciones diarias de martes a domingos, hasta que la obra bajó de cartel en Mayo de 1944 con más de cien representaciones.

Programa de Mano de "Mis Amadas Hijas" Teatro Politeama Colección privada de Roberto Famá Hernández coleccionesteatrales@gmail.com

Programa de mano. Colección privada de Roberto Famá Hernández coleccionesteatrales@gmail.com

LA OBRA:

Como nos indica el programa, la obra transcurre en Suiza, en la Navidad de 1938, y aclara, "cuando aún se reía en Europa" lo que nos dice dos cosas: que la segunda gran guerra aún no había comenzado y que está permitido reirse. Porque cuando un actor habla sobre un escenario de su vida real conviene hacerlo en código de sátira y más aún si esa vida tiene los pasajes tormentosos que vivió Barrymore. Con algunas exageraciones y notas de fantasía para que aparezca el teatro, nos ubica en un señorial castillo, propiedad de un vendedor de armas que tiene veleidades teatrales y que ha hecho un trato con Allan Manville (Barrymore en la vida real) a quien los años, sus caprichos y sus continuos excesos, lo han alejado de los escenarios y acuerdan que el vendedor de armas lo devolverá a la actuación con la contrapartida de llevar a la fama como actriz a la amante del dueño de casa. Al castillo acuden sorpresivamente en la noche de navidad las tres hijas del actor, las tres hijas de distintas madres, cada una con su problema que tendrán una resolución diferente de la que esperan. Sólo una, la única que lo vio actuar y que lo considera un dios, será quien le allane el camino y lo devuelva a los escenarios.

Diario El Mundo, 10-5-1944

Esta noche se cumplen en el Politeama las 100 representaciones consecutivas de la obra norteamericana de Catherine Turney y Jerry Horwin "Mis amadas hijas", traducida por Manuel Barberá, que al interés de su fábula y al ingenio de sus diálogos suma la singular atracción de la labor de Narciso Ibáñez Menta, quien personifica al famoso actor John Barrymore, en uno de cuyos episodios amorosos se inspira la comedia con una exactitud de detalles de caracterización que constituye, por si solo parte de la causa del éxito del espectáculo.

ELENCO

Narciso Ibáñez Menta
Rosa Rosen

Fanny Navarro
Nélida Franco
Marcial Manent
Herminia Franco

Aquí la fotografía del elenco y técnicos en el estreno:

Luego del Politeama, Narciso con la producción de Contento lleva la obra a Uruguay y repiten, con otro elenco, el éxito en el teatro Artigas

"LA MALASANGRE" de Griselda Gambaro Su estreno en 1982

2011-10-22T17:52:00.000-07:00

Griselda Gambaro

El 17 de agosto de 1982 subía a escena, en la sala del Teatro Olimpia de Buenos Aires de Sarmiento 777, "La malasangre", de Griselda Gambaro y este estreno llenaba de expectativas a la crítica periodística. Esta expectativa se advierte en las gacetillas previas al estreno, especialmente en "Clarín Espectáculos" el 12 de agosto de 1982, cinco días antes, en las que se pone de manifiesto "lo personal" de la escritura dramática de Griselda Gambaro, así como el incipiente prestigio de la directora Laura Yusem y la presencia de Lautaro Murúa, un actor que hacía tiempo que faltaba del país, exiliado en España por sus ideas políticas.
No olvidemos que no son tiempos fáciles, la dictadura más sangrienta de la historia nacional aún se sostiene, aunque tambalea, derrotada en la increíble guerra por Malvinas y se abre, entonces, la oportunidad de decir, de animarse una vez más, a enfrentar el silencio desde un escenario.

Laura Yusem

La misma Griselda dijo: "El hecho escénico nos tiene que despertar, nos tiene que desanestesiar de todo eso que es la falsa información, la deformación de los sentimientos y las ideas que es base de nuestra sociedad". Y añade: "El mundo nunca ha sido enteramente blanco ni enteramente negro; el mundo ha sido siempre una gran confusión, en todo sentido, incluso en el ético..." La posición adoptada por Gambaro es, pues, muy clara, es la de "decir no" a la sujeción y el autoritarismo.
La pieza de mi colección que ahora presento, es el programa de mano de aquel recordado estreno y aquí está:

Portada Programa de mano Colección privada de Roberto Famá Hernández coleccionesteatrales@gmail.com

La obra tuvo un éxito impresionante y en medio de tal coyuntura política, justamente, porque el texto se apoya de manera, simbólica, metafóricamente (procedimiento habitual en tiempos de dictadura) en el tema de la represión expuesto en la figura o referente histórico de Juan Manuel de Rosas y su familia, lo que fue fácilmente reconocible o identificable por el espectador ya que la puesta y el texto lograron claros paralelismos entre pasado y presente.

Programa de mano Colección privada de Roberto Famá Hernández coleccionesteatrales@gmail.com

Con La malasangre, dijo Gambaro, "quise contar una historia que transitara esa zona donde el poder omnímodo fracasa siempre si los vencidos lo enfrentan con coraje y dignidad, si se asumen en el orgullo y en la elección". Y es que Gambaro sabe utilizar cualquier ropaje, cualquier disfraz para hacer "visible lo invisible", ella enmascara, oculta la realidad, la transforma sólo para desnudarla y mostrarla tal cual es.

FICHA TECNICA
El elenco :
Soledad Silveyra
Lautaro Murua
Susana Lanteri
Patricio Contreras
Danilo Devizia
Oscar Martinez
Escenografía y vestuario: Graciela Galan
Dirección General: Laura Yusem

Programa de mano Colección privada de Roberto Famá Hernández coleccionesteatrales@gmail.com

LA MALASANGRE RESUMEN DE LA OBRA

La acción de La malasangre - compuesta por ocho escenas - comienza con una persistente tensión, francamente insostenible, entre Dolores y Benigno, su padre. La protagonista contará - en su pugna por alcanzar su identidad como mujer y su libertad - con un único apoyo: Rafael.

Lautaro Murúa

Entre las situaciones dramáticas fundamentales, se halla la situación inicial, con el trabajo que el padre - que está buscando un preceptor para su hija - ofrece a Rafael, el cual, por su "defecto" físico (es jorobado) le despierta una curiosidad "malsana", burlona, alevosa. En las expectativas del poderoso padre, el personaje "deformado" no es un peligro para nadie. Así creerá ejercer un control, una vigilancia - que encarnarán la figura de la madre y de Fermín -, sobre el cuerpo de su hija.

Soledad Silveyra

Dolores es sincera, arriesgada, brutal por momentos. Su tono es de seguridad, se enfrenta con toda la fuerza de su ánimo a lo que considera injusto. De este modo se la describe cuando irrumpe, por vez primera, en escena: "Dolores es una hermosa muchacha de veinte años, de gestos vivos y apasionados, y una especie de fragilidad que vence a fuerza de orgullo, de soberbio desdén." Vehemente, furiosa ante el servilismo, reivindica su libertad de elección, como venganza contra el autoritarismo, la tiranía y el abuso arbitrario del poder por parte del padre. El acuerdo tácito de la madre a los intereses de su marido exaspera a la joven, indignada ante tanta servidumbre, tanta sumisión, tanta anulación.Rafael evita mirar directamente a los ojos a Dolores, pero ésta no deja de retarle, de hostigarle. En un principio, será Rafael quien juegue, mediatizado por su mirada, con su accionar primeramente oblicuo, con lo no dicho o con lo dicho a medias. Pero, progresivamente, se irá produciendo un acercamiento entre ambos personajes, aunque a ella le moleste la debilidad de carácter de él, circunstancia que provoca silencios tensos. Para ella, él tiene "Lindos ojos...Tiernos y sedientos". Quiere que él la mire, pero él oculta sus ojos, evita los de ella. Se ha enamorado... y va a ser correspondido. Planearán huir.

La historia de amor entre Dolores y Rafael -un juego de poder, también - dramatiza, en cierto modo, la fuerza activa de rebelión que encarna ella, pero que no logrará evitar el final trágico -la muerte del prudente Rafael -. Su éxito lo es en tanto que acto verbal de rebeldía, ya que condena al tirano a la soledad. Nos hallamos ante la disección de los mecanismos por medio de los cuales el poder se ejerce y se perpetúa, así como ante distintas posiciones respecto al ejercicio de aquél. La risa se alza, aquí, como liberación, como salvación.

Patricio Contreras

En lo relativo al dialogismo e intercambio entre los personajes, éstos tienen una doble faz. Por una parte, parecen adaptarse y aceptar las órdenes del padre pero, por otra, actúan siguiendo sus impulsos. Las relaciones padre-hija u hombre-mujer son trasladadas al plano político-social. El diálogo que se entabla entre los enamorados se propone como una alternativa vital real, auténtica, al margen del orden establecido. Pero una cosa es el deseo, el ámbito de los sueños, y otra muy distinta la realidad. Además, la opción amorosa de Dolores y Rafael es, al mismo tiempo, una opción política. Nos encontramos, así, en la intersección de dos ámbitos o esferas: la de lo público o social y la de lo privado o personal, o lo que es lo mismo, la exterioridad y la interioridad. Y es que, si atendemos a la poética que el texto nos plantea, "nada es tan simple como uno cree". De ahí el metafórico juego entre lo liso y lo torcido.
Como desenlace, el intento de huida, finalmente fracasado, de los amantes y la muerte de Rafael a mano de los verdugos. La revelación de la traición de la madre, que acaba siendo desenmascarada por la hija, en el marco de un enfrentamiento en el que ésta, a diferencia de aquélla, no se resigna, ni se somete, a la autoridad masculina. "El nombre es el destino", dirá Dolores. Su odio, contenido y feroz, hacia la madre, así como la condena al silencio son un reto lanzado al espectador: un silencio plagado de sentido. Porque lo que está dentro de las figuras es el miedo y el deseo reprimido, que se proyecta en una relación brutal con el cuerpo femenino: la violencia y crueldad como forma de exterminio de cualquier amenaza al poder central.
El Padre actúa motivado por el odio, al cual él llama amor. La madre actúa llevada por la envidia y el miedo. El novio - en el horizonte de expectativas del matrimonio concertado -, se expresa a través de la relación cruda, brutal con el cuerpo de Dolores, al tiempo que aparece retratado en rasgos tales como la carencia de desarrollo intelectual o la riqueza ostentosa. La pareja protagonista se libera de la represión, sí, pero ¿a qué precio? Ella es condenada a permanecer en silencio y él a morir. Esta doble figura que componen ambos personajes encarna la debilidad frente a la fuerza, la integridad frente a la corrupción, el valor frente al miedo y el amor frente al odio.

DANIEL ERICOURT Su paso por Buenos Aires Mayo 1945

2011-10-16T15:01:00.000-07:00

Daniel Ericourt posando para una publicidad de pianos EEUU 1948

Es el lunes 7 de Mayo de 1945, las calles de Buenos Aires y las páginas de todos los diarios se inundan de avisos publicitarios invitando a brindar; todos desean festejar, es que se ha anunciado el fin de la segunda gran guerra. En el viejo Teatro Odeón de la calle Esmeralda, José Pedro Carambat, que se ocupó siempre de traer a los mejores artistas de cualquier parte del mundo y de todos los géneros, aprovecha el descanso de los días lunes de mayo, de la Cia. de Delia Garcés, que está presentando allí "CLAUDIA",(ver en este mismo blog: http://coleccionesteatrales.blogspot.com/2010/06/claudia-con-delia-garces-en-el-teatro.html) para colocar un piano sobre el escenario y dejar que Daniel Ericourt saque de él la música de Liszt y Debussy. Este programa de mano de mi colección así lo cuenta:


Programa de mano perteneciente a la presentación del 14 Mayo de 1945

Ericourt ya se había presentado dos años antes, en la temporada 1943 en el teatro Colón junto a Witold Malcuzynsky y Arturo Rubinstein y no era en lo económico nada fácil presentar, sin apoyo estatal, nuevamente a Ericourt en Buenos Aires. En las funciones de "Claudia" de martes a domingos, la platea tenía un costo de $ 4.- y no eran baratas, para presentar a Ericourt hubo que vender las plateas a $ 7

Pero el Odeón igual se colmó de espectadores que aplaudieron de pie a este artista genial, que, seguramente, habrá descorchado champagne, brindando junto a José Pedro Carambat, por el éxito de sus presentaciónes y por la liberación definitiva de su amada Francia

EL TEATRO CALLEJERO DE CECILIO MADANES

2011-10-16T10:28:00.000-07:00

Cecilio Madanes

Si hay un trabajo teatral que quedó asociado para siempre al nombre de Cecilio Madanes, es el que realizó en el teatro Caminito y más precisamente en la calle "Caminito" desde 1957, a su regreso de un viaje de meses, como curador de una muestra de arte argentino en cruceros de placer. Viajaba en un camarote de 6 camas, con cuadros de Berni, Soldi, Castagnino y cincuenta pintores más, que vendía desde Estados Unidos a Japón.

Y tan importante fue su trabajo en "Caminito" que él mismo lo recordaba así: " El hijo que no tuve es el teatro Caminito. Teatro al aire libre, como había visto en Venecia. Lo que iba a ser un experimento de dos semanas, finalmente duró 15 años, con dos funciones y mil quinientos espectadores diarios. Así, en medio de la Boca y la noche, renacieron Shakespeare, Goldoni, García Lorca, Pirandello, Discépolo y una galería fabulosa de autores y obras. Allí pude ser un creador total. Inventé todo, junto a gente muy muy capaz. A partir de 1957, Caminito se transformó así en el gran camino de su vida, jalonado por el trabajo y compromiso de los más de 600 actores y cientos de miles de espectadores que se emocionaron en esa calle ganada para el teatro. " "De mí surgió la idea -dijo Madanes más de una vez- pero fue la concreción de una suerte de magia colectiva en la que participamos desde autores, actores y técnicos hasta vecinos de La Boca".
Quiero destacar que la iluminación y sonido de esta y toda obra que Madanes presentó en la calle "Caminito" fue un trabajo de Don Alfredo Galante a quien tuve la suerte de conocer y por el que guardo un enorme respeto y afecto. Pero además, su trabajo de iluminación y sonido, la crítica del espectáculo lo reconoció. (Diario La Prensa 20/12/1957 Pag 14: " Un magnífico fondo iluminado que muestra la orilla del riachuelo y un final con luces de colores que cruzan el cielo, hablan por si solos de la sólida originalidad y las pruebas de inquietud de Madanes") Claro, Madanes sabía que no necesitaba un iluminador tradicional de teatro; estaba al aire libre donde luces y sonidos se juegan con otros códigos y por eso confio en Alfredo Galante quien tenía a sus cargo, desde hacia años, todo acto estatal realizado en la vía pública y, Alfredo Galante no lo defraudó.

Lo obra que Madanes había visto en Venecia era "Los chismes de las mujeres " de Carlo Goldoni y con esa obra inauguró aquellla experiencia y aquí está el programa de mano de aquella vez y las notas aparecidas en la revista Mundo Argentino que forman parte de mi colección y que hoy pongo a disposición de todos:

IVO PELAY; Su primera obra hace 100 años

2011-10-10T07:42:00.000-07:00

Firma de Ivo Pelay

Si hay una firma que cosechó éxitos en la historia del espectáculo teatral, es esta; la de Pichot, Guillermo Juan Robustiano, conocido por todos como Ivo Pelay, que nació en La Plata el 5 de Mayo de 1893 y fue, sin lugar a dudas, el escritor con más obras de nuestro teatro; se cuentan más de doscientas, y es que transitó por todos los géneros: dramas, sainetes, comedias, comedias musicales, revistas, juguetes cómicos, etc., colaborando tambien con casi todos los colegas de su época y a él le pertenecen, además de traducciones, guiones de cine y radio, muchas de las letras de tangos y milongas más recordadas (Adiós Pampa mía, Se dice de mi, Soñar y nada más; etc.) casi todas musicalizadas por Canaro con quien compartió el origen de la comedia musical porteña

Ivo Pelay a los 18 años de edad

Pero, claro hubo una primera obra, un primer estreno y fue cuando tenía apenas 18 años recien cumplidos. Esa obra primera fue "Mala Vida" un sainete en un acto dividido en tres cuadros, que subió al escenario del viejo Teatro Nacional de la mano de la Compañia Podestá - Vittone (aunque algunos historiadores afirman equivocadamente que fue la Compañia de Ulises Favaro) en la noche del 7 de julio de 1911 y, la verdad, que la prensa de la época no recibió muy bien al nuevo dramtaurgo; quizás con cierta razón, le criticaban la influencia muy marcada de otros autores de la época e incluso hubo quienes afirmaron que el cuadro final era casi un plagio a Florencio Sánchez. Pero sí hubo, al menos un crítico, que supo ver muy bien lo que esa primera obra insinuaba y todo lo que a futuro prometía dar el joven autor y, sin negarle la influencia de otros autores, consideró que eso era algo natural en quien presenta una primera obra; ese crítico fue Enrique Loncán (abogado, diputado nacional, escritor y periodista, habitual colaborador de La Nación ) y así lo decía:

Casi un año después de su estreno, la obra fue presentada en la revista Dramas y Comedias Nro XXI Mayo 1912 que editaba Tito Livio Foppa con caricaturas de Siko

Ivo Pelay y Gardel

Cuentan que a fines de 1931 Ivo Pelay estaba dando con éxito "Hay que hacer economía" en el teatro "Nacional", cuyo tema era la crisis que en ese año se vivía. Gardel, que había regresado triunfante de París, lo encuentra a Pelay en el "Domínguez", reconocido bar que estaba frente al teatro y encarándolo Gardel le dice: —"Che, Ivo... ¿Por qué no me llevás a tu teatro?" Contestando Pelay medio asombrado: —"¿Llevarte a mi teatro? ¿Y con qué te pago?" —"Cobrás un peso la entrada. ¿No es cierto?", repuso Gardel. —"Bueno... cobrás uno veinte, me das los veinte y asunto arreglado". No hubo arreglo al menos en ese momento, pero lo cierto es que en marzo de 1933, en ese mismo teatro, Gardel interviene en el final de la obra "De Gabino a Gardel" escrita por Ivo Pelay, donde satirizaba la historia del tango.

En el archivo del teatro Maipo se presentan estos documentos que nos muestran algo del paso posterior de Pelay por esa sala. El primero es el contrato de Pelay y Luis Cesar Amadori con la sala para la temporada 1928. El segundo es un extracto del aviso publicitario de "Caras Sonrientes" de esa misma temporada con Azucena Maizani

Algunos de los títulos escritos por Ivo Pelay:

El Presupuesto

Con permiso Señor Intendente

El A.B.C.

La ley del Embudo

De Siglo a Siglo

Maidana

El Reino del Disparate

Manzanilla y Mate Amargo

La Donna E Móbile

El Capitán Metralla

Almanaque Porteño Ilustrado

El Angelical Manuelito

La Casa de los Borgia

No forma parte del Trust

Don Cándido Buenafe

La Pulpería del Diablo

Donde hubo Fuego, Cenizas quedan

El Reverendo Catachín

El Marido de mi Mujer

Flores de Trapo

Hembra

El Fruto Prohibido

El Bajo Belgrano

La Bataclana y el Engominado

La Musa del Arrabal

Café Cantante

Cataluña

Doña Juana la Loca

La Cumparsita

Facundo

Hay Baile en el Rancherío

Hay que hacer Economía

Linyera

Mi otro marido

Ropa Nueva, ropa Vieja

Dueto Criollo

La Honradez del Siglo

La Porteña

Quien te manda estar metido

Los Muchachos del Baldío

Alí Babá y los 40 Ladrones

Bohemia Loca

El Desconocido

El Momento Universal

La Ficha Blanca

La Honradez del Amigo López

La Vascongada: Pensión Barata

¡Pulgarín solo!

Qual Piuma al Vento

Ushuaia

Buenos Aires Chic O París Reo

De Puente Alsina a Montmartre

El viudo alegre

Balconeando la Ciudad

Mal de amores

El Muchacho de la Orquesta

Dos Corazones

La Madre María

Sentimiento Gaucho

Buenos Aires de ayer y hoy

Rodríguez Supernumerario

Rascacielos

Judío

Llegaron parientes de España

La Muchachada del Centro

La Canción de los Barrios

Jesús, María y el otro

El Desconocido

Pantalones largos

Burro de carga
y Algunas de las canciones cuyas letras le pertenecen:

A mal tiempo buena cara (Tango)
Adiós pampa mía (Tango)
Bajo el cielo azul (Vals)
Berretines (Tango)
Casas viejas (Tango)
Corazón encadenado (Tango)
Cuando el mundo te arrincone (Tango)
Déjame no quiero verte más (Tango)
Desconfiale (Tango)
Después del aguacero (Marcha)
Dice una canción (Tango)
Dónde hay un mango? (Ranchera)
Dos corazones (Vals)
El casamiento no me interesa (Foxtrot)
El jardín del amor (Vals)
El tango de la mula (Tango)
Esa es mi patria (Gato estilizado)
Felisa Tolosa (Vals)
Fondín de Pedro Mendoza (Tango)
La copla porteña (Tango)
La milonga de Buenos Aires (Milonga)
La muchachada del centro (Tango)
Las chicas del día (Ranchera)
Los amores con la crisis (Ranchera)
Mañana (Tango)
Me enamoré una vez (Ranchera)
Mi Buenos Aires (Marcha)
Nene caprichoso (Tango)
No lo creas por favor (Corrido)
Paja brava (Pericón)
Rascacielos (Marcha)
Rosa de amor (Tango)
Rosa reseca (Tango)
Se dice de mí (Milonga)
Soñar y nada más (Vals)
Tangón (Tango)
Todo es mentira (Tango)
Todo te nombra (Tango)
Tranquilo viejo tranquilo (Tango)
Un jardín de ilusión (Vals)
Viviré con tu recuerdo (Vals)
Ya vendrán tiempos mejores (Tango)
Yo no sé por qué te quiero (Tango)

La madre de Tita Merello

2011-10-04T18:57:00.000-07:00

De la triste niñez de Tita Merello se ha escrito mucho; que desde los cinco hasta los 9 años, debió vivir en un asilo porque la pobreza no le permitía a su madre criarla como hubiese querido. Y sabemos también que luego pudieron reencontrarse y hay testimonios del amor que se profesaron. Pero creo que esta pieza de mi colección, es una de las pocas o quizás la única fotografía pública de Ana Gianelli, la mamá de Tita Merello. Fué publicada en una publicidad de lavarropas marca KC en Junio de 1955 y aquí está:

RICARDO PASSANO un galan de leyenda

2011-10-02T13:24:00.000-07:00

Ricardo y Mario Passano fueron parte de una familia excepcional de artistas: su abuelo fue actor en Montevideo. Su padre; Ricardo Segundo Passano, actor, caricaturista y director de teatro, fue uno de los fundadores del Teatro Independiente en la Argentina junto a Leonidas Barletta. Su hermana Margot, también fue actriz

Ricardo Passano (hijo) conoció todos los escenarios. A los 14 debutó en Radio Splendid, en la compañía de Nora Cullen y Guillemo Battaglia, hasta que lo descubrió el sello Lumiton y saltó al cine con Angel Magaña y Elías Alippi en "El mejor papá del mundo". (1941 dirección de Francsico Mugica) Passano así recordaba aquel paso: "Yo era un producto de la radio, conocía todas sus trampa y cuando vinieron a buscarme del cine mis amigos me dijeron ¡Te paraste Passanito! Tengo grabada la imagen. Me temblaban las piernas del jabón. Así me volví el jovencito fachero que le hacía el amor a todas" Una nota de la revista Sintonía, de 1947, dice a modo de titular: "Ricardo Passano, ídolo de las porteñas. El galán del momento, es el preferido por la simpatía femenina". Y no era una exageración; Ricardo Passano (h) enamoraba a las mujeres de su tiempo, pero además era buen actor y por ello participó en más de 50 películas y más un centenar de actuaciones en la radio y el teatro. Ricardo Passano(h) fue galán de todas las grandes en la época de oro. Además, formó elencos con su hermano Mario Passano por toda la Argentina. Y actuó en películas inolvidables , como el caso de Juvenilia, donde interpretó a Miguel Cané, acompañado por otros grandes como Mario Medrano, Marcos Zucker, Juan Carlos Altavista y Gogó Andreu. Después, llegó la hora de mostrarse como actor dramático en "Se Abre el Abismo" película de Pierre Chenal en 1944 y si quedaban dudas demostró ser algo más que una cara bonita, cuando le llegó la consagración definitiva, junto a Narciso Ibañez Menta, en La muerte de un viajante Fue extensa tambien su labor en la docencia teatral. Junto a sus alumnos ofreció más de 550 festivales de teatro gratis a beneficio de distintas instituciones. En 2006 publicó junto a su esposa el libro de poesía Como hojas (Editorial de los Cuatro Vientos) escrito por su hijo Ricardo Luis Passano fallecido el 11 de noviembre de 2001. El 4 de abril de 2007 falleció su esposa, con quien estuvo casado desde 1950. Fue nombrado Ciudadano Ilustre de Morón. Recibió el premio "Pablo Podestá" de la Asociación Argentina de Actores. El salón de actos de la Escuela Nº1 de Ituzaingó y el teatro de la Sociedad de Fomento de Castelar llevan su nombre: Ricardo Passano

Las piezas de mi colección que motivan esta entrada son; primero esta postal autografiada por Passano donde queda claro que el hombre tenía su pinta, y leyendo la dedicatoria, que era un seductor. También presento aquí el programa de mano del desaparecido Cine teatro Atlantic que estaba en Av Belgrano 1260, donde Ricardo y Mario Passano, con dirección de su padre, presentaron, temporada 1963, "Buenos Días Mamá" de Eduardo Pappo. Esta obra "el clan Passano" la estrenó en 1961 y con dos funciones diarias de martes a domingo, permanecieron años en cartel por varios escenarios del país.

Pero que mejor que el mismo Passano, en este video de You Tube cuente su historia:

EL TEATRO INMORAL DE HACE UN SIGLO Tito Livio Foppa

2011-09-11T19:35:00.000-07:00

Parque Japonés en Retiro

En la Buenos Aires de 1911, los porteños se divertían en el Parque Japonés de Retiro y comentaban la inexplicable pretensión de las feministas, que reclamaban el voto femenino en la próxima ley electoral de Saenz Peña. Para agregarle un poco de pimienta a la cosa, cuando llega el feriado del 12 de octubre, el reconocido dramaturgo y periodista, Don Tito Livio Foppa, estrena en el Teatro Nacional, con la renombrada Cia. Blanca Podestá - Luis Vittone, su obra "La Razón Social"
El escándalo fue mayúsculo, fue retirada con apenas cinco funciones en escena, "por su alto contenido inmoral; una obra degenerada que no debe permitirse"
Pero el autor no se dio por vencido y publicó inmediatamente el texto de la obra en la revista "Dramas y Comedias" Gracias a esa publicación, puedo presentarles esta "inmoral" pieza de mi colección, y sería bueno me comenten luego, cuanto se han escandalizado con su lectura:

Luis Vittone

Blanca Podestá en 1903

Haga Click sobre cada imagen para verla mejor

EL AUTOR:

En Burzaco, Provincia de Buenos Aires, en el barrio Corimayo, existe una calle con el nombre de Tito Livio Foppa. Este increíble personaje de nuestra dramaturgia, nació en Adrogué el 18 de Junio de 1884. Fue además de dramaturgo, diplomático, periodista, miembro de la masonería, amigo de anarquistas y hombres del tango, y tallaba fuerte desde los primeros años del siglo XX. A Tito Livio Foppa le debemos muchas obras, pero su mejor legado es su “Diccionario Teatral del Rio de la Plata” del que han (hemos) aprendido y aprehendido muchos datos históricos y es material de consulta permanente aún hoy

Tito Livio Foppa en 1910 Colección privada de Roberto Famá
coleccionesteatrales@gmail.com

Foppa supo ser muy amigo de Rodolfo González Pacheco, también escritor, dramaturgo, orador y periodista anarquista, editor del periódico anarquista La Antorcha, fundador del "Teatro de Ideas" que al salir del penal de Ushuaia, funda con Foppa la revista Libre. Quizás influenciado por Pacheco que viaja a Mexico para sumarse a la revolución zapatista, es que Foppa, a pocos meses de que bajaran de cartel su inmoral obra, viaja también como corresponsal del diario La Razón, al que pertenecía desde 1905 y para la revista Fray Mocho, para cubrir la revolución. Luego conoce a Julia Falla, terrateniente guatemalteca, propietaria de fincas cafetaleras, mujer culta, preparada, fuerte, quien ama a la música y ha sido concertista consagrada. De esa relación nace su única hija; Alaíde Foppa, que nace en 1913 cuando su padre ya era cónsul en Barcelona (porque si algo le faltaba a Foppa era recorrer Europa con una valija diplomática y también lo hizo) y como Alaíde llevaba la cultura en la sangre, y ha vivido entre libros, pinturas, representaciones teatrales; fue una de las grandes figuras de la literatura guatemalteca.
De Foppa es muy conocida una anécdota que le toco vivir una noche de Febrero de l9l6, en un apartado rincón de Rusia, en una estación aerostática del ejército alemán, donde eran jefes un capitán y dos tenientes, estos organizaron una velada, un ágape en honor de los periodistas acreditados en el frente de batalla, como fin de fiesta el capitán jefe de la guarnición solicitó a los presentes que se pusieran de pié pues el músico de la casa, un pianista iba a ejecutar el himno del país de cada uno de los corresponsales homenajeados. Tito Livio Foppa recordaba tiempo después que en aquel momento escucharon la Canción de los Habsurgos, luego una canción patriótica Suiza en honor del Bemer Tag, enseguida le tocó el turno a nuestro periodista, el jefe, el capitán se acerca a Foppa y le dice: “Sepa usted disculpar pero nuestro pianista desconoce el Himno Argentino”, el músico que escuchaba las disculpas, dirigiéndose a Foppa le comenta: “Pero conozco una música de vuestro país” y preludió los primeros acordes, era un Tango de su amigo Ángel Villoldo; "El Choclo"

Foppa y José Gonzalez Castillo

Nota: Proximamente publicaré otras "escandolosas" obras censuradas hace 100 años

EL "CIRCO TEATRO ARENA" DE FRANCISCO PETRONE AÑO 1958

2011-08-13T17:48:00.000-07:00

PETRONE TAPA DE REVISTA ANTENA

Durante lostiempos de la dictadura (1955 1958), que expulsó a Perón, los teatrosindependientes (también llamado “teatros libres”, “cuadros libres”,“escenas vocacionales”, “teatro experimental” o “conjunto filodramático”) fueron trabajando más fuerte, con grandes luchadoresdel arte dramático (Lovero,Asquini/Boero, Barletta, etc.)También fue a partir de 1955 que las llamadas escuelas de arte dramáticonacieron por todos lados, tomando los espacios que les brindaban las asociacionesvecinales (en los barrios capitalinos y aledaños), en los sótanos de lasbibliotecas populares, en grandes clubes deportivos, en el subsuelo de sedesgremiales, en centros universitarios: Arquitectura, Ingeniería, etc. Y ya hacia fines de 1957, se produce otra “onda expansiva” buscando ahoradonde mostrar su arte, donde convocar a más público, y a esta onda expansiva. Es así, que ya enretirada, (fines de 1957) el Gobierno Municipal de Buenos Aires, comienza aceder permisos para trabajar en los espacios públicos.

El elencodel Teatro “Fray Mocho” sale de su pequeño espacio de la calle Cangallo y llevasu teatro a la villa de emergencia que se había levantado en esos años en eldenominado “Albergue Warnes” ( Durante el segundo gobierno peronista se decidió laconstrucción de un moderno Hospital de Pediatría. Para su localización fueronexpropiados los terrenos a sus propietarios, la familia Etchevarne sobre lacalle Warnes. El derrocamiento del gobierno peronista en 1955 paralizó las obras,faltando solamente 12 meses para la finalización de las mismas, dejando todo enun estado total de abandono sólo por ser una obra iniciada por Perón. Desde eseentonces el edificio, empezó a recibir familias carentes de vivienda., allí secobijaron a más de 600 familias, cuyo anhelo era encontrar un techo que losprotegiese de la intemperie, hasta que fueron desalojados en diciembre de1990 y la obra con 40 años deabandono fue dinamitada en febrero de 1991.)

Tambiénnacen entonces las “carpas teatrales” que eran verdaderas carpas de circo perodedicadas a presentar obras de teatro. Se levantaron tres, al menos; una deellas en el barrio de Belgrano, otra en la Plaza Irlanda, en febrero de1958 donde se presentaba un elenco denominado “De los pies descalzos” Pero sin dudas la que más éxito obtuvo, selevantó en Junio del 58 (a días apenas de la asunción del presidente Frondizi)en medio de Plaza Once y se llamó; “Circo Teatro Arena de Francisco Petrone”

La pieza demi colección que aquí les presento, es justamente el programa de mano delestreno de la carpa de Petrone, que se inauguró con “Una Libra de Carne” deCuzzani, que ya se había estrenado cuatro años antes

Ubicados,entonces, en el contexto social que he detallado, es que se entiende mejor laelección de Petrone; ya que esta genial obra de Cuzzani, como toda sudramaturgia, representa una aguda crítica social, pero, además, le permitía aPetrone romper sin miedo con el espacio clásico del escenario a la italiana y aprovecharíntegramente la diversidad de puesta que le ofrecía la arena del circo, paraubicar mejor allí a los varios personajes de la obra en una multiplicidad deespacios claramente definidos.

Cuzzani exponesus compromisos éticos, con ideas de justicia, libertad, igualdad; con principios dirigidos, fundamentalmente, aenaltecer siempre la condición humana. Y como lo hizo, siempre, en toda sudramaturgia, lo hace a partir de una máscara de jocosidad. Eso le permitióproteger, y protegerse, detrás de unasupuesta liviandad, el “peso” del mensaje, entonces se aliviana pero no se diluye. Cuzzani es el creador del género farsátira. Como éllo definiría, "en la farsátira - decía:- ...generalmente se parte de unapropuesta voluntariamente exagerada hasta casi el absurdo, con relación a lasituación del protagonista. Esta situación insólita se tramita en un medioambiente realista, natural y del choque entre ambas "realidades"surge gran parte del humor y la intriga sobre cómo aquietar finalmente latensión creada. Otra de las modalidades es el tratamiento multitudinario depersonajes accidentales, coros, simultaneidades escénicas o tratamientocinematográfico de cortes directos entre situaciones. Influyó, seguramente, enesto mi gusto operístico que proviene de mi infancia transcurrida en el mágicodecorado sonoro de las óperas italianas. Y algo, también, en una atrozfacilidad para el verso rimado y coral que brota a cada paso en las obras. Loultimo mencionable quizá fuera mi devoción por el sonido del idioma, lareverencia a los estilos nobles y clásicos, castellanos, shakesperianos, deantiguas redacciones bíblicas y a no dudarlo por los juegos de palabras y girosque aprendí desde chico en las comedias de Pedro Muñoz Seca, en los versos deVital Aza, y más atrás en las burlas del Arcipreste de Hita o de Quevedo"
También Petrone,de reconocida filiación comunista, seguramente asumió, la obra como uncompromiso moral, y el éxito lo acompañó.

Gracias a la desinteresada colaboración de Mario Gallina, reconocido historiador e investigador del cine y el teatro, es que puedo agregar aquí las sucesivas obras que se vieron en el Circo Teatro Arena de Petrone e imagenes del la revista Platea de la época:

Les recomiendo

www.mariogallina.blogspot.com

1958/59 La leyenda deJuan Moreira

Circo Teatro Arena

Autor: Rodolfo Kusch, con la colaboración de FranciscoPetrone y versos de Goly Bernal

Escenografía: Germen Gelpi.

Música: Isidro Maiztegui

Dirección: Francisco Petrone

Cía. Francisco Petrone. Con Inés Moreno, Pascual Nacaratti,Jorge Sobral, Mariano Monclús, Luis Corradi, Juan P. Venturino, ArmandoParente, Utimio Bertozzi, José María Langlais, Hugo Ares, Fernanda Langlais.

Personaje: Juan Moreira

Estreno: diciembre de 1958.

1958 La zorra y lasuvas

Circo Teatro Arena

Autor: Guilherme Figueiredo

Intérprete: Fernando Vegal y elenco.

1959 Las de Barranco

Circo Teatro Arena

Autor: Gregorio de Laferrère.

Escenografía: Germen Gelpi.

Dirección: Francisco Petrone

Elenco: María Esther Duckse, Perla Santalla, Paquita Vehil,Lalo Hartich, Rodolfo Salerno, Atilio Marinelli, Elina Falconier, RafaelBarreta.

Estreno: 24 de marzo de 1959.

1959 El huerto soñado

Circo Teatro Arena

Autor: Robert Bolt

Traducción: Manuel Barberá

Escenografía: Germen Gelpi

Dirección: Francisco Petrone

Cía. Francisco Petrone. Elenco: Perla Santalla, CarlosBorsani, Luis Corradi, Mariano Vidal Molina, Bárbara Mujica, María CristinaLaurenz.

Personaje: Cherry.

Estreno: 21 de agosto de 1959.

1959 Las aventuras deJoe Bazooka.

Circo Teatro Arena.

Autor: José Pedro Voiro

Elenco: Alberto Olmedo, Humberto Ortiz, Inés Murray, YamandúDi Paulo, Víctor Villa. Alejandro Trotta

Síntesis argumental: Debut teatral de Alberto Olmedoencarnando el primer rol con el que alcanzó popularidad en la televisión: JoeBazooka, un superhéroe que al consumir el entonces conocido chicle Bazooka sele fortalecía el dedo índice y utilizaba ese poder para combatir al mal.Obviamente, el personaje remitía a Popeye, el marinero, quien por la ingestión deespinaca, lograba el mismo fin.

Estreno: 22 de noviembre de 1959.

1959/1960 Un guapodel 900

Circo Teatro Arena

Autor: Samuel Eichelbaum

Escenografía: Germen Gelpi.

Dirección: Francisco Petrone

Cía. Francisco Petrone. Elenco: Virginia Romay, PerlaSantalla, Luis Corradi, Antonio Capuano, Arturo Bamio, Mariano Vidal Molina,Claudio Rodríguez Leiva, Claudio Martino, Juan Carlos Tiberio, Julio Gini,Alberto de Salvio, Utimio Bertozzi, Ovidio Fuentes, Armando Equiza, ClaudiaLapacó, Trío Los Porteños.

Personaje: Ecuménico López

1960 Dos señoresatorrantes

Circo Teatro Arena

Autores: Guillermo y Horacio Pelay.

Regidor: Francisco Centorbi

Gran Cía de espectáculos cómicos Tincho Zabala-MarianitoMauzá. Con Alfonso Pisano, Juan Daniele, Josefina Daniele, Olga Duncan, DoritaPacheco.

Empresa de compañía: Alfredo Lamacchia. Funciones: todos losdías a las 22.15 hs. Sábados, domingos y feriados a las 20 y a las 22 hs.Estreno: 15/4/1960

1960 Insuficiente,conducta mala

Circo Teatro Arena

Autor: Jorge Tidone

Vestuario, escenografía y puesta en escena: Mané Bernanrdo

Dirección: Elina Falconier

Elenco: Elina Falconier, Dora Patiño, María Principito,Alejandra Santacreu

Funciones: Viernes: 18.30 hs. Sábados domingos y feriados:14 y 16 hs.

Debut: 15/4/1960

1960 Jorge Dandin oel marido humillado

Circo Teatro Arena

Autor: Molière

Puesta en escena y dirección: Julián Cairol

Elenco: Alejandro Massey, Claudia Lapacó, Hugo Ares.

Teatro Los Pies descalzos presenta Jorge Dandin o el maridohumillado de Molière, con Alejandro Massey, Claudia Lapacó, Hugo Ares. Puestaen escena y dirección: Julián Cairol. Circo Teatro Arena. Empresa:Petrecca-Dagnino.

1961 Un enemigo delpueblo

Circo Teatro Arena

Autor: Henrik Ibsen

Adaptación: Arthur Miller

Traducción: J. Muchnik

Escenografía: Germen Gelpi.

Dirección: Francisco Petrone.

Cía. Francisco Petrone (Personaje: Dr. Tomás Stockmann).Elenco: Adolfo Linvel, Celia Juárez, Mariano Vidal Molina, Débora Kors, JuanCarlos Tiberio, Francisco Martino, Emilio Losada, Humberto de la Rosa, Renzo Zecca, CarlosLópez Monet, Norma López Monet.

Síntesis argumental: El Dr. Stockmann ha descubierto unsucio negociado en la explotación de las aguas termales de su ciudad, que seencuentran gravemente contaminadas, y no vacila en denunciar el hecho, contodos los riesgos que ello implica.

1961 El error deestar vivo

Circo Teatro Arena

Autor: Aldo de Benedetti

Versión castellana: Nicolás Olivari y Roberto Valenti.

Escenografía: Germen Gelpi.

Dirección: Francisco Petrone

Cía. Francisco Petrone (Personaje: Adrián Lari). Elenco:Elda Dessel, Mariano Vidal Molina, Marta Barrios.

Estreno: 7 de julio.

1962 Una luna para elbastardo

Circo Teatro Arena

Autor: Eugene O’Neill

Versión castellana: León Mirlas.

Escenografía: Germen Gelpi

Dirección: Francisco Petrone.

Cía. Francisco Petrone (Personaje: James Tyrone). Con MemeVigo. Horacio O’Connor, Ricardo Bauleo. Y Nelly Prono.

Estreno: octubre de 1962.

Síntesis argumental: Tres son los personajes esenciales. Yen los tres, sus perfiles están diseñados por el fracaso: Josie Hogan, mujerruda y tosca, ansiosa del amor de James Tyrone; éste, actor y escritorfracasado que vive hundido en la derrota de la que ni siquiera la ilusión -laluna que por un momento cae sobre él y su borrachera- puede hacerlo salir, yPhil Hogan, el padre de Josie, granjero astuto e incapaz de grandeza alguna,que urde en la única noche del drama, el plan para explotar a James, suarrendatario, obteniendo de él dinero o matrimonio para su hija.

HOMENAJE A 30 AÑOS DE TEATRO ABIERTO 1981/2011

2011-08-07T10:55:00.000-07:00

No hay pieza de mi colección que motive esta entrada, pero creo realmente necesario aprovechar este blog , que tanto tiene que ver con la historia de nuestro teatro, para rendir homenaje a todos aquellos, artistas y público, que en tiempos de silencio, crearon ese espacio de dignidad, que se llamó Teatro Abierto

Teatro El Picadero

En junio de 1981 el segundo presidente de la dictadura genocida, el general Roberto Viola, cumplía 90 días tratando de acomodarse en el poder, porque la lucha facciosa dentro de las mismas fuerzas armadas lo desestabilizaba. La mayoría de los 30 mil ya habían desaparecido y fue entonces, en ese invierno del 81, en que el teatro salió a enfrentar el silencio. El teatro, utilizado como resistencia cultural, pudo denunciar haciendo visible lo invisibilizado por los dictadores y sus cómplices mediáticos. Teatro Abierto funcionó como una máquina de generar sentido común destinado a enfrentar el “por algo será” “los argentinos somos derechos y humanos” o el “algo habrán hecho” que la mayoría de los argentinos repetíamos como pensamiento unívoco.

En los teatros oficiales y en los comerciales la censura era manifiesta o sobrentendida. Había prohibiciones expresas y donde no las había los directores de los teatros eran quienes decidían la cartelera tratando de no molestar a los genocidas. Pero el 28 de julio de 1981 comenzó el ciclo “Teatro Abierto” para demostrar, una vez más, que nunca todo es lo mismo.

El dramaturgo Osvaldo Dragún fue el pionero de esta idea y convocó a un grupo de directores, actores, técnicos y gente del ambiente con la idea de despertar al teatro nacional y con una ingeniosa insolencia los invitó levantar cabeza contra los militares.

Osvaldo Dragún

Se le sumaron autores como Roberto Cossa y Carlos Somigliana, directores como Rubens Correa, Carlos Gandolfo, Jorge Hacker o Francisco Javier, actores como Pepe Soriano, Luis Brandoni, Mirta Busnelli, Cipe Lincovsky, Carlos Carella, Ulises Dumont o Pepe Novoa; músicos como Rodolfo Mederos, Jorge Valcarcel o Lito Vitale; escenógrafos como Gastón Breyer o Emilio Basaldúa; artistas plásticos y técnicos. Algunos estaban en listas negras o habían sufrido atentados y amenazas.

El Picadero en 1981

El ciclo comenzó en la Sala del Picadero, un teatro recientemente inaugurado, que no pertenecía al circuito comercial Eran 21 obras cortas escritas y puestas en escena con la libertad de expresión como única bandera. Se ofrecían tres obras diarias durante 7 días. El fin era contestatario y no de lucro, por lo que las entradas eran muy baratas y hasta se ofrecieron abonos con descuento. Comenzaba a las 18 y terminaba a las 21 horas, todos los días.

La primera función, empezó con la voz de Jorge Rivera López (en aquel momento, Presidente de la Asociación Argentina de Actores) interpretando un texto del director teatral Carlos Somigliana:

“Porque queremos demostrar la existencia y vitalidad del teatro argentino tantas veces negada; porque siendo el teatro un fenómeno cultural eminentemente social y comunitario, intentamos mediante la alta calidad de los espectáculos y el bajo precio de las localidades, recuperar a un público masivo; porque sentimos que todos juntos somos más que la suma de cada uno de nosotros; porque pretendemos ejercitar en forma adulta y responsable nuestro derecho a la libertad de opinión; porque necesitamos encontrar nuevas formas de expresión que nos liberen de esquemas chatamente mercantilistas; porque anhelamos que nuestra fraternal solidaridad sea más importante que nuestras individualidades competitivas; porque amamos dolorosamente a nuestro país y éste es el único homenaje que sabemos hacerle; porque, por encima de todas las razones nos sentimos felices de estar juntos".


Decir Si Función en 1981

Griselda Gambaro

La obra inaugural fue “Decir sí”, de Griselda Gambaro. El guión no necesito caer en lugares comunes, sino que desde el lenguaje demostró dos posiciones: “decir sí”, como acto de sometimiento a un régimen represor y, de la otra vereda, decir no, como acto de rebeldía. La obra, como todas las que se presentaron, no tenía demasiada puesta en escena y se desarrolla en una peluquería, donde el cliente tiene todos los matices de un individuo inserto en un régimen totalitario, con una sociedad que por el mismo sometimiento reproduce el sistema y mediante el “decir sí” acepta ser reprimido. “El que me toca es un chancho”, de Alberto Drago y “El nuevo mundo”, de Carlos Somigliana fueron las obras que siguieron ese primer día del ciclo.

La primera semana fue un éxito rotundo, y los nervios en los represores empezaban a florecer. El 6 de agosto, por la madrugada, El Picadero fue incendiado. No pudo haber sido un problema eléctrico porque el fuego comenzó en el centro del teatro, donde no había cables, ni nada y , aunque, no hay nombres de los culpables se sabe que fue un comando que dependía de la Marina.

Pepe Soriano teatro Abierto 1981

Pero ya era tarde para ellos, en ese momento, tanto el público como los militares ya habían notado que se trataba de un fenómeno político que atraía a toda la ciudad (desde la primera función se agotaron la localidades, de un teatro que lejos estaba de ser conocido) y con o sin El Picadero era imposible frenar el fenómeno.

El Picadero Incendiado

En cuanto se supo la noticia del atentando al teatro, Roberto Cossa y Jorge Rivera López junto con la compañía de los actores Luis Brandoni y Pepe Soriano organizaron una conferencia de prensa en el Teatro Lasalle, allí Osvaldo Dragún fue el encargado de leer el comunicado donde aseguraban la continuidad de Teatro Abierto, y se enfrentaba a las autoridades pidiendo la reconstrucción del Picadero. La indignación brotaba en todas las expresiones de la cultura y la defensa de los derechos humanos. La respuesta fue masiva, cientos de periodistas, artistas y el público mismo se hicieron presentes en la conferencia, y personalidades de la talla de Adolfo Pérez Esquivel (Premio Nobel de la Paz), y hasta Jorge Luis Borges y Ernesto Sabato (figura enigmática durante el Proceso de Reorganización Nacional) firmaron su adhesión a las ideas del comunicado.

Teatro Abierto en El Tabaris 1981

Teatro Abierto debía continuar. Más de 17 dueños de salas ofrecieron sus escenarios, y el Teatro Tabarís fue el seleccionado. Con una capacidad del doble que el anterior e instalado en plana calle Corrientes el ciclo siguió y se consagró como la vanguardia antifascista.

Teatro Abierto fue la respuesta de una “comunidad cultural” en repudio a la dictadura, y usó la actuación como arma de lucha.

Hoy, a 30 años, nuestro mejor homenaje es asumir el compromiso de recuperar la sala de El Picadero para devolverla al servicio de la cultura popular.

CANARO Y LA COMEDIA MUSICAL PORTEÑA

2011-07-30T17:57:00.000-07:00

En los primeros años de la Comedia MusicalPorteña, (1920-1950) donde Canaro prevaleció, los personajes tenían la marcadel sainete en su carácter, la escena se presentaba desbordante, con muchobrillo y los artistas debían ser muy dúctiles; saber cantar, actuar y bailarcon muy buen nivel profesional, y entre los actores de la época no era muycomún que hicieran las tres artes dignamente. Cada cuadro concluía con un temamusical, muchas veces compuesto expresamente y el cuadro final cerraba con todo el elenco participando a pleno muy arriba. Aunque lo relevante era claramente el tango,otros ritmos, como las zambas, la rumba, el vals o la zarzuela, por ejemplo,podían incluirse sin reclamos. Lo textual pasaba por la sátira social aguda, llevandoun mismo hilo argumental a lo largo de todo el espectáculo (a diferencia de la Revista Porteña, queintercalaba cuadros de situaciones desconectadas argumentalmente)

A don Francisco Canaro se le deben los siguientes estrenos de Comedia Musical Porteña, asaber:

Juan Andrés Caruso

“Nobleza de Arrabal” Sobre textos de Juan Andrés Caruso. Lapieza se presentó en el Teatro Variedades, el 8 de octubre de 1919. Allíestrenó el tango "Sentimiento gaucho" y, justamente, "Nobleza de arrabal".

Luego, hubo que esperar hasta el 17 de Junio de 1932 para ver a Canaro presentando "Lamuchachada del centro", de IvoPelay y con un elenco de consagradas figuras: Tita Merello, Elsa O´Connor, TitoLusiardo, Francisco Álvarez, Ernesto Famá y muchos artistas más.

Tita Merello

Ernesto Famá

La tercera comedia Musical Porteña de Canaro se presenta el 17 de julio de 1934, en elteatro Sarmiento, fue: "La canción de los barrios", con ManuelitaPoli, Francisco Charmiello, Francisco Álvarez e Ignacio Corsini, entre otros

El 26 de junio de 1935, se estrenó "Rascacielos",con María Esther Gamas, Dringue Farías y Ernesto Famá en los principalespapeles. Su estreno se vio afectado por la trágica muerte de Carlos Gardel.

Luego fue el turno de "La Patria del Tango" conguión de José González Castillo y colaboración de Antonio Botta y Luis CésarAmadori. Su estreno fue en el Teatro Buenos Aires en 1936, alcanzando las 500 representaciones.Luego vinieron las giras por el interior. En el elenco se destacaban PaquitaGarzón, María Esther Gamas, Margarita Padín, Severo Fernández, Agustin IrustaRoberto Fugazot, Oscar Villa "Villita" entre otros. Los temasestrenados en la obra fueron: "La Marcha Cordial",el vals "Cariño", la ranchera "El bichito del Amor","Qué le importa al mundo", el tango "El Porteño", "Lapolca del Espiante", "Como te Quiero" y "EstampaGaucha", un pericón que bailaba la compañía en pleno como broche de oro dela obra. Canaro deseaba llevar la obra a España para que allí se conociera, através de su música, la idiosincrasia del pueblo argentino pero la guerra civilespañola trunco su anhelo. Pero el éxito fue rotundo en Argentina y la Republica del Uruguay.

Ivo Pelay

En 1937 "Mal de amores", de Ivo Pelay, que pasó alolvido sin el favor del público. Fue en el Teatro Politeama, que se ubicaba enAv. Corrientes 1490 esquina Paraná. El elenco lo conformaron Paquita Garzón,Agustín Irusta, Roberto Fugazot y Ángel Magaña entre otros. Solo alcanzo las250 representaciones y fue levantada de cartel.

En 1939 se estrenó "El muchacho de la orquesta" enel teatro El Nacional, con Pepita Muñoz, León Zárate, Ernesto Famá y FranciscoAmor. Allí dio comienzo a su labor teatral Mariano Mores, quien sería luego dediez años uno de los mejores continuadores de la Comedia Musical Porteña

Mariano Mores

En 1941 el bailarín Benito Bianquet, más conocido como "El Cachafaz",fue la principal figura de la comedia "La historia del tango".También actuaban Eduardo Adrián y la pareja de Miguel Bucino y Beba Bidart

Llegó 1943; Canaro e Ivo Pelay escribieron el libreto de "Buenos Aires de ayer y dehoy", otra vez con Tita Merello, Eduardo Adrián y otros artistas.

Hacia 1944 realizaron en el teatro Presidente Alvear "Doscorazones", con Tita Merello, Pedro Quartucci, Elena Lucena, Carlos Roldány Chola Luna.

"El tango en París" de 1945, fue una adaptación dela obra de Enrique Suárez Velloso, que realizó Canaro con Mariano Mores. Allísurgió el tango campero "Adiós, pampa mía.

Y siguieron en 1946 "La canción de los barrios",con Virginia Luque, y en 1947 "Luna de miel para tres", con ambientemexicano-argentino y la actuación de Jorge Negrete.


Tito Lusiardo y Beba Bidart

En "Con la música en el alma", de Homero Manzi,debutó Andresito Poggio (Toscanito)

Ensus bodas de oro como artista, Canaro puso en escena "Tangolandia",con libro de Ivo Pelay y encabezado por Tono Andreu, María Esther Gamas y TitoLusiardo. De ese recordado último estreno de Canaro, presento una pieza muy querida de mi colección; es el programa demano de esa comedia musical porteña; que reproducen estas imágenes y espero que les resulte de interés. Haga click sobre cada imagen para verla en todos sus detalles.

El original pertenece a la coleccion privada de Roberto Famá Colecciones teatrales. coleccionesteatrales@gmail.com